В Московской области двое мужчин и женщина;pdf

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ КРАСНОДАРСКОГО КРАЯ
ГБОУ СПО КРАСНОДАРСКИЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ №3
КРАСНОДАРСКОГО КРАЯ
МЕТОДИЧЕСКОЕ ПОСОБИЕ
для преподавателей и студентов школьного отделения
к подготовке и проведению пробных уроков и
внеклассных занятий по музыкальному воспитанию
1
Япония. Культура и искусство.
Япония - Страна Восходящего Солнца. Япония - страна такая далекая и необычная.
Япония всегда привлекала своей загадочностью, неизведанностью. Много интересного в истории
и жизни Японии: культура, традиции, философия, изобретения, экономические достижения.
Интерес к Японии понятен - государство, расположенное на нескольких островах, окруженных
океаном, опережает многие государства по техническому развитию, уровню жизни, развитию
науки.
Японию часто именуют «Страной восходящего солнца». Но солнечный диск попал на
ее флаг не совсем потому, что японцы одними из первых встречают приход на землю каждого
нового дня. Наряду с буддизмом в стране исповедуют синтоизм - оригинальную древнюю
японскую религию. Главным культом синтоизма считается почитание богини солнца Аматэрасу.
Страна долго не имела своего флага – он понадобился лишь в
середине XIX в, когда был положен конец политике самоизоляции Японии от
внешнего мира. До этого в Японии имелся только специальный штандарт
императора – он был красного цвета с изображением золотой хризантемы с 16
лепестками.
Белый цвет у японцев всегда символезировал мужество,
самоотречение и любовь к родине. По традиции, когда мужчины идут на
трудное дело, они повязывают голову белым полотенцем. Автором флага
«Хи-но-Мару» - дословно «Солнечный диск» - считается Нарикира
Шимазу. Флаг официально утвержден 5 августа 1854г.
Японская мораль коренится в эстетике. Нравственные принципы
этого народа тесно связаны с его представлением о красоте. Культ прекрасного у японцев, в свою
очередь, во многом связан с религией и берет свое начало из обожествления природы.
Когда боги Изанаги и Изанами по радуге спускались с небес, чтобы отделить земную
твердь от хляби, Изанаги ударил своим копьем по зыбко колыхавшейся внизу пучине. И тогда с
его копья скатилась вереница капель, образовав изогнутую цепь островов. Это древняя легенда о
сотворении Японии. Если смотреть на Японию с самолета, то изогнутая гряда гористых островов
действительно похожа на окаменевшие капли. "Путь гор" – таково одно из толкований древнего
имени этой страны: Ямато. Действительно, Япония – это, прежде всего страна гор. Их всегда
видишь на горизонте, находясь даже посреди самой большой равнины. Для большинства Японцев
солнце всегда поднимается из-за моря и спускается за горы
Гора Фудзиямо
Древние японцы считали горы промежуточной ступенью
между небом и землей, а потому – святым местом, куда нисходят боги
с небес, где поселяются души умерших предков.
Имя Ямато напоминает, что сотворение Японии еще не
завершено. Капли, упавшие с божественного копья,
еще не остыли окончательно, они дышат вулканами, сотрясаются от
землетрясений.
Но Страна огнедышащих гор больше известна как Страна
восходящего солнца. Именно под эти именем Япония впервые дала о себе знать западному миру
со страниц книги великого путешественника Марко Поло. Слово, которое прозвучало для Марко
Поло как Чипингу, пишется тремя иероглифами "жи-бень-го" (каждый их которых соответственно
значит: солнце –корень – страна). Иероглифы "жи – бень" на диалектах Южного Китая
произносится как "я-пон" (такое звучание и перешло потом в европейские языки).
Исконная японская религия синто (то есть "путь богов")
утверждает, что все в мире одушевлено и, стало быть, наделено
святостью: огнедышащая гора, лотос, цветущий в болотной трясине,
радуга после грозы… Аматерасу, как светоч жизни, служит главой этих
восьми миллионов божеств.
2
Перед любым синтоистским храмом непременно высится торий – нечто вроде ворот с
двум поперечными перекладинами. Торий считается национальным символом Японии, так как это
один их немногих образцов японского зодчества, существовавшего до чужеземных влияний.
В своем первоначальном смысле слово "торий" означает насест. Он ставится перед
храмом в напоминание о легенде, рассказывающей, как Аматерасу – дочь солнца. Обиделась на
своего брата и укрылась в подземной пещере.
Долгое время никто не мог уговорить богиню солнца выйти оттуда и рассеять мрак, в
который погрузился мир. Тогда перед пещерой соорудили насест и посадили на него петуха, а
рядом поставили круглое зеркало. Когда петух прокукарекал, Аматерасу по привычке решила, что
пора вставать. Выглянув наружу, она увидела в круглом зеркале собственное отражение и приняла
его за незнакомую красавицу. Это задело женское любопытство богини, и Аматерасу вышла из
пещеры, чтобы посмотреть, кто осмелился соперничать с ней в красоте. Мир тут же снова
осветился, и жизнь на земле пошла своим чередом.
Из подобных легенд и состоит священная книга синто – старинная летопись. Японцы
поклонялись предметам и явлениям окружающего мира не их страха перед непостижимыми и
грозными стихийными силами, а из чувства благодарности к природе за то, что, несмотря на
внезапные вспышки своего необузданного гнева, она чаще бывает ласковой и щедрой.
Япония – это страна зеленых гор и морских заливов. Ландшафты Японии составлены из
мягких тонов, приглушенных влажностью воздуха. Эту сдержанную гамму могут временно
нарушать лишь какие-нибудь сезонные краски. Например, весеннее цветение азалий или
пламенеющие к осени листья кленов.
Подчиняясь календарю, они стараются, есть определенную пищу, носить
определенную одежду, придавать должный облик своему жилищу. Они любят приурочивать
семейные торжества к знаменательным явлениям природы: цветению сакуры или осеннему
полнолунию; любят видеть на праздничном столе напоминание о времени года: ростки бамбука
весной или грибы осенью.
Мерилами красоты у японцев служат четыре понятия, три из которых (саби, ваби,
сибуй) уходят корнями в древнюю религию синто, а четвертое (югэн) навеяно буддийской
философией.
"Саби". Красота и естественность для японцев – понятия тождественные. Все, что
неестественно, не может быть красивым. Но ощущение естественности можно усилить
добавлением особых качеств.
Считается, что время способствует выявлению сущности вещей. Поэтому японцы видят
особое очарование в следах возраста. Их привлекает потемневший цвет старого дерева, замшелый
камень в саду или даже обтрепанность – следы многих рук, прикасавшихся к краю картины.
Саби, стало быть, это неподдельная ржавость, архаическое несовершенство, прелесть
старины, печать времени.
"Ваби" – это отсутствие чего-либо вычурного, броского, нарочитого, то есть в
представлении японцев вульгарного. Ваби – это прелесть обыденного, мудрая воздержанность,
красота простоты. Не только картина или ваза, а любой предмет домашнего обихода, может быть
произведением искусства и воплощением красоты. Практичность, утилитарная красота предметов
– вот что связано с понятием "ваби".
"Ваби" и "саби" – слова старые. Со временем они стали употребляться слитно, как
одно понятие и превратилось в обиходное слово "сибуй".
Сибуй – это красота простоты плюс красота естественности. Это не красота вообще, а
красота, присущая назначению данного предмета, а также материалу, из которого он сделан.
Кинжал незачем украшать орнаментом. В нем должна чувствоваться острота лезвия и добротность
закалки. При минимальной обработке материала – максимальная практичность изделия –
сочетание этих двух качеств японцы считают идеалом.
Тайна искусства состоит в том, чтобы вслушиваться в несказанное, любоваться
невидимым.
В этой мысли коренится четвертый критерий японского представления о красоте. Он и
именуется "юген" и воплощает собой мастерство намека или подтекста, прелесть
недоговоренности.
3
Радоваться или грустить по поводу перемен, которые несет с собой время, присуще
всем народам. и увидеть в недолговечности источник красоты сумели. Пожалуй, лишь японцы. Не
случайно своим национальным цветком они избрали именно сакуру.
Весна не приносит с собой на Японские острова того борения
стихий, когда реки взламывают ледяные оковы. Долгожданная пора
пробуждения природы начинается здесь внезапной и буйной вспышкой
цветения вишни.
Ее розовые соцветия волнуют и восхищают японцев не только
своим множеством, но и своей недолговечностью. Лепестки сакуры не
знают увядания. Весело кружась, они летят на землю от легчайшего
дуновения ветерка. Они предпочитают опасть еще свежими, чем хоть сколько-нибудь поступиться
своей красотой.
У японских живописцев есть крылатое выражение: "Пустые места на свитке исполнены
большего смысла, нежели то, что начертала кисть". У актеров издавна существует заповедь: "Если
хочешь выразить свои чувства полностью, раскрой себя на восемь десятых".
Югэн, или прелесть недосказанности, - это та красота, которая скромно лежит в
глубине вещей, не стремясь на поверхность. Ее может вовсе не заметить человек, лишенный вкуса
или душевного покоя.
Считая завершенность столь же несовместимой с вечным движением жизни, японское
искусство на том же основании отрицает и симметрию. Нарушенное равновесие для японца
олицетворяет мир живой и подвижный.
Посуда на японском столе не имеет ничего общего с тем, что мы называем сервизом.
Японцу кажется безвкусицей видеть одну и ту же роспись и на тарелках, и на блюдах, и на
чашках.
Наслаждаться искусством для японцев значит вслушиваться в несказанное, любоваться
невидимым.
Таков жанр сумие – словно проступающие сквозь туман
картины, сделанные черной тушью на мокрой бумаге, живопись
намеков и недомолвок.
Таковы хайку – стихотворения из единственной фразы, из
одного поэтического образа.
Таков театр Ноо, где все пьесы играются на фоне одной и той
же декорации в виде одинокой сосны и где каждое движение актера
строго предписано и стилизовано. Это не бедность ума или недостаток воображения, а творческий
прием, который уводит человека гораздо дальше конкретного образа.
Наивысшим проявлением понятия "югэн" можно считать
поэму их камня и песка, именуемую философским садом.
В путеводителе указано: «пятнадцать камней». На самом деле
замечаешь четырнадцать. Пятнадцатого камня перед глазами нет. Его
загораживают соседние камни. Делаешь шаг по деревянной галерее,
протянувшейся вдоль края песчаного прямоугольника - и снова
четырнадцать камней. Пятнадцатый – тот, что до сих пор прятался, теперь
оказался в их числе, а исчез другой камень. Ещё шаг по галерее – и
гениально спланированный хаос предстает опять в иной композиции,
состоящей из тех же пятнадцати камней, из которых один – невидим.
Это наглядная модель познания, метафора науки. Обязательно
остается что-то неизвестное, не сосчитанное, неучтенное. Мы уверенны, что есть что-то еще, чего
мы не видим. Это итог размышлений в саду человека.
Способность ценить красоту и наслаждаться ею – это не какое-то врожденное качество.
Эстетическое воспитание в японской школе поставлено шире и основательнее, чем в других
странах мира. Уже второклассники пользуются красками тридцати шести цветов и знают названия
каждого из них. В погожий день директор школы вправе отменить занятия, чтобы детвора
отправилась на воздух рисовать с натуры или слушать объяснения учителя о том, как распознавать
красоту в природе.
4
Однако ведущее место в эстетическом воспитании ребенка занимает обучение письму.
Каллиграфия, или искусство иероглифической письменности, пришла в Японию из
Китая в ту пору, когда она уже на протяжении тысячи лет считалась одним их видов
изобразительного искусства. На иероглифы смотрели не только как на вид письменного общения.
Достоинства человеческого почерка считалось прямым отражением его характера.
Когда освоены необходимые механические навыки, человек уже не пишет, а рисует;
причем не пером, а кистью, приводя ее в движение не только рукой, но как бы всем телом.
Существование каллиграфии как одной из основ народного просвещения было важной
причиной того, что многие традиционные черты японской культуры уцелели в обиходе
современных поколений. Так, например, алтарь красоты в японском жилище – токонома, то есть
ниша, подле которой садится глава семьи или гость. Это самое почетное место в доме принято
украшать свитком с каллиграфически написанным изречением, чаще всего стихотворным.
Здесь, где каллиграфия смыкается с поэзией, мы видим второй пример упражнений в
эстетизме – всеобщее занятие стихосложением.
Каждый образованный человек непременно должен владеть как мастерством
каллиграфии, так и мастерством стихосложения. Излюбленными формами массового
поэтического творчества служат танка или хайку, которые можно в какой-то мере сравнить с
афоризмами или эпиграммами. Танка состоит из пяти строк и тридцати одного слога, а хайку – это
танка без последнего двустишья, то есть стихотворение из трех строк.
Один художественный образ, непременно адресованный к какому-то из четырех времен
года, плюс определенное настроение, переданное через подтекст – вот что должна содержать
хайку. В хайку об осени говорится:
Гляжу – опавший лист
Опять взлетел на ветку.
То бабочка была.
А вот хайку о лете:
Торговец веерами
Принес вязанку ветра.
Ну и жара!
До сих пор в середине января устраивается традиционное поэтическое состязание.
Десятки тысяч стихотворений на заданную тему поступают на этот общенациональный конкурс.
Лучшие из них зачитываются на торжественной церемонии в присутствии императора,
публикуются в газетах. Около двадцати ежемесячных журналов общим тиражом свыше миллиона
экземпляров целиком посвящены поэзии.
В 1926 году была создана школа Согецу ("Травы и луна").
Основоположник нового направления в искусстве Софу Тэсигахара. Это
искусство известно нам как искусство икэбана. В Японии вряд ли найдешь
город, где бы не существовало кружка школы Согецу. Японка обычно
проходит там двухлетний курс.
Цель икэбана – выражать красоту природы, создавая композиции из
цветов, керамики и других предметов. Но икэбана – это не только
украшательство, не только один из декоративных приемов. Это и средство
самовыражения. Даже используя одни и те же материалы, разные люди могут вложить в них
разные настроения.
Для японского понятия "икэбана" в зарубежных языках до сих пор не найдено точного перевода.
Принятое на Западе выражение "аранжировка цветов", так же как и русский термин "искусство
составления букетов", не раскрывают сути икэбана как одного из видов ваяния
Иногда иероглифы "икэ-бана" дословно переводят как "живые цветы", или "цветы,
которые живут". Но и это определение нельзя назвать исчерпывающим. Скорее это можно
перевести, как "помочь цветам проявить себя".
Есть притча о мастере чайной церемонии Рикю, сад которого славился на всю Японию
цветами повилики. Взглянуть на них решил даже сам сегун Хидееси. Придя, однако, в
назначенное утро в сад, он с удивлением обнаружил. Что все цветы срезаны. Уже начавший
5
гневаться, повелитель вошел в комнату для чайной церемонии и тут увидел икэбана из одногоединственного стебля повилики.
Рикю принес в жертву все цветы своего сада, чтобы подчеркнуть их красоту в одном,
самом лучшем.
"Он умеет жить" – это обывательское выражение имеет для японца диаметрально
противоположный смысл: человек, умеющий жить, видит радости жизни там, где другие проходят
мимо них. Чайная церемония учит находить прекрасное в обыденном. Это соединение искусства с
буднями жизни.
Если страсти, бушующие в человеческой душе, порождают определенные жесты, то,
считают мастера чайной церемонии, есть и такие жесты, которые способны воздействовать на
душу, успокаивать ее. Строго определенными движениями, их красотой и размеренностью чайная
церемония создает покой души, приводит ее в то состояние, при котором она особенно чутко
отзывается на вездесущую красоту природы.
В чайной церемонии участвует не больше пяти человек. Даже если дело происходит
днем, в комнате должен стоять полумрак. На каждом предмете лежит печать времени. Есть только
два исключения – белоснежный льняной платок и ковш, сделанный из спиленного куска бамбука,
которые бывают подчеркнуто свежими и новыми.
Комната для чайной церемонии оформляется с изысканной
простотой, воплощающей в себе классическое японское
представление о прекрасном.
Не только большинство японских женщин, но и многие
мужчины доныне изучают каждое движение чайной церемонии.
Японцы не любят оценивать искусство на бегу, приемля его
лишь как часть повседневной жизни. Чайная церемония,
мастерство икэбана, стихосложение, любование природой – все это объединено у них названием,
которое можно перевести несколько старомодным термином "изящные досуги".
Традиционная японская одежда – кимоно. Кимоно кроится по геометрическим линиям,
не связанным с чьей-то конкретной фигурой. Полы здесь не застегиваются, а запахиваются, длина
всегда имеет большой запас, так что, надевая кимоно, японка всякий раз как бы заново подгоняет
его по себе. Кимоно облегает женскую фигуру не для того, чтобы выявить, а для того, чтобы
скрыть ее естественные очертания. Широкий пояс с бантом на спине носится значительно выше
талии. Искусству завязывания пояса с бантом девочек обучают с детства.
Страна детства .
В
Японии
любят разнообразные куклы, которые несут
религиозное, даже мистическое значение, они – предмет для любования, а не
игрушки. Во время традиционно отмечаемых в Японии праздников
мальчиков и девочек дома наших соседей украшаются куклами. Одни
олицетворяют силу и упорство – символ мужества, другие – благополучие,
верность и преданность – воплощение женственности.
История кукол Японии уходит своими корнями в глубокую древность.
Первые известные японские куклы датируются III тысячелетием до нашей
эры.
Как и в других странах, в Японии куклы первоначально имели два
предназначения: для совершения магических обрядов как олицетворение
духов, злых или добрых сил – и для игры.
Со временем выделилась третья роль японских кукол как предметов для
любования. Эти привлекательные, прелестные куклы называются кимэкоми, что в переводе
означает
предназначенные
специально
для
любования.
Центральное место в экспозиции занимают два роскошных комплекса кукол для
любования, предназначенные для участия в традиционных японских праздниках мальчиков и
девочек.
6
Японские коллекционные куклы. Чайная церемония.
Работа японского художника изображает двух дам, сидящих на татами. Одна из них - в
дорогом шелковом темно-синем кимоно, обучает юную девушку сложным приемам японской
чайной церемонии.
Перед дамой - традиционная керамическая чаша
для зеленого чая, в которой находится бамбуковый
венчик для взбивания чая, рядом с чашей
сложенная японская бумага "washi" , на которую
кладут необходимые приборы для совершения
чайной церемонии.
Перед девушкой в красном кимоно с длинными
рукавами стоит тарелочка с традиционными
японскими сладостями, в руке она держит
свернутый согласно правилам этикета платок.
Одежда женщин и их дорогие широкие парчевые пояса оби говорят зрителю о их социальном
статусе, прически уложены и украшены согласно возрасту: более скромно у старшей из дам,
кокетливо и ярко - у девушки.
В праздник девочек, который отмечается 3 марта, маленькие японки получают в
подарок необычайной красоты кукол для своего традиционного кукольного набора.
5 мая в Японии отмечается день мальчиков. Этот праздник освещает мужское, светлое
начало и считается национальным праздником Японии. В этот день мальчикам дарят искусно
сделанные военные игрушки – мечи, луки, стрелы, боевые доспехи, самурайские барабаны.
Японским детям вполне могут позавидовать малыши из других стран: в Японии самое
большое число детских праздников. Помимо традиционного дня рождения здесь отмечаются
специальные праздники мальчиков и девочек, праздники детей определенного возраста. Сейчас
многие из детских праздников ограничиваются семейным кругом, а раньше некоторые из них
имели даже официальный государственный статус.
Праздник мальчиков и девочек
В Стране восходящего солнца есть два древних праздника,
которые отмечаются до сих пор:
День девочек (Праздник кукол) и День мальчиков.
Очевидно, эти даты связаны с древним японским
земледельческим календарем: в марте
начиналась посадка проса, которая считалась
женским занятием, а в мае — посадка риса,
относящаяся к числу мужских дел.
День девочек – 3 марта
Его начали отмечать еще в средние века, он означал приход
весны. В этот день всех девочек поздравляют родственники, соседи,
знакомые. Принято устраивать домашние выставки кукол, некоторые из
которых хранятся в семьях десятилетия, а то и века.
В Японии главные куклы обязательно парные: мужчина и
7
женщина (они символизируют императора и императрицу). У нас можно устроить выставку всех
кукол, которые есть в доме. Рядом с выставкой обязательно ставят два деревца: персиковое и
мандариновое. Это намек на то, что девочка должна стать такой же милой, как их цветки.
В этот день девочки могут пригласить домой своих друзей и угостить их специальными
сладостями. Кстати, в Японии только в этот день девочкам старшего возраста даже
разрешалось сделать пару глотков саке – рисовой водки.
День мальчиков - 5 мая.
В Японии он связан с временем посева риса, а рис сеют только
мужчины. Перед входом в дом, где живут мальчики, выставлялись
длинные бамбуковые шесты с привязанными к ним изображениями
карпов - символа мужества и упорства. Ребенок вместе с папой
изготавливал большую рыбу из материи, сквозь нее, от головы до
хвоста, должен был пролезть каждый мальчик для того, чтобы ему
потом в жизни повезло. Куклы - тоже неизменный атрибут этого
дня, - только куклы "мальчиковые": в Японии это герои древних
легенд - древние самураи в доспехах.
В Японии в праздники
девочек и мальчиков родители обязательно запускают с детьми
воздушных змеев. Можно устроить даже специальные соревнования змеев, в которых примут
участие и взрослые, и дети. Главная задача состязаний – сделать так, чтобы змей соперника как
можно быстрее опустился на землю. Для этого стропы противника запутывали или же к веревкам
своего змея прикрепляли острые предметы, чтобы порезать веревки врага.
В современной Японии эти праздники до сих пор считаются государственными.
Рождение ребенка — важнейшее событие в жизни японской семьи. В прежние времена
появление на свет нового человека сопровождалось четырьмя церемониями, которые совершались
вечером первого, третьего, пятого и седьмого дня. В настоящее время в некоторых местах еще
сохранился праздник седьмого дня — церемония наречения «осития». В этот день
новорожденного впервые показывают родственникам и друзьям и сообщают, какое имя ему
выбрали родители. Даже если имя было придумано еще до дня наречения, родители начинают
называть им малыша только с этого момента. Когда все гости собрались за столом, бабушка или
няня выносит ребенка, а отец торжественно объявляет его имя. Как полагается, гости выпивают за
здоровье новорожденного рисовую водку — саке и угощаются специально приготовленными
яствами.
Как и в других странах, в Японии особо отмечается день, когда ребенку исполняется
годик, но в отличие от европейской традиции у японцев это прежде всего праздник родителей, а не
малыша. Имениннику в этот день даже не принято дарить подарки. Традиция отмечать День
рождения как праздник родителей объясняется особым, почтительным отношением к своим
предкам, которое воспитывается японской культурой с ранних лет.
В жизни малыша помимо первого года жизни особое значение имеют 3 года, 5 и 7 лет. 15
ноября отмечается праздник «7–5–3» — «сити-го-сан».
Все японские праздники направлены на то, чтобы с самых ранних лет воспитывать у ребенка
положительные качества. Следует отметить, что одно из главных отличий японской культуры от
европейской заключается именно в этой способности получать истинное наслаждение от
окружающего мира, не пытаясь присвоить или преобразовать его. Японцы видят красоту в
причудливо уложенных камнях, миниатюрных деревьях, засушенных цветах, молчаливых горах; у
них простые обыденные предметы могут превращаться в настоящие произведения искусства.
Прекрасное входит в жизнь человека с самого раннего возраста и остается в его душе навсегда.
8
Музыка Японии
Кабуки, самый известный вид классического театрального искусства
Японии, имеет примерно 400-летнюю историю. Вначале это были упражнения
для развития техники исполнения женского танца (Кабуки одори), но вскоре
развились в постановки пьесы для сцены, в которых все роли исполняли
мужчины.
Художественные приёмы театра Кабуки передаются от отца к сыну, от
сына к внуку и так далее, поэтому данное искусство во многом остаётся
достоянием ограниченного числа актёрских семей. Каждая семья становится
хранителем определённых ролей, и эти амплуа, в свою очередь, передаются от
поколения к поколению.
Но — известная музыкально-танцевальная драматическая форма, которая
существует в Японии вот уже около 600 лет. Актёры в основном выступают в
масках и иногда танцуют во время представления. В пьесе выступает
несколько актёров, в ней один главный герой (ситэ) и один вспомогательный
персонаж (ваки). Хор (дзиутай) исполняет вокальные партии, а ансамбль
(хаяси-ката) обеспечивает музыкальное сопровождение.
Гагаку — музыка и танец Японского императорского двора —
древнейшее исполнительское искусство Японии. Ансамбль кангэн
(духовые и струнные) аккомпанирует танцу. Главные
инструменты:
ёкобуэ (флейта, в которую дуют сбоку), сё (вид свирели),
хитирики (напоминающая гобой труба), бива (лютня с короткой
шейкой), со (щипковая цитра) и тайко (барабан).
Ёкобуэ
Сё
В Японии используют тыкву как материал для изготовления
музыкальных инструментов
Хеллоуин отмечают во многих странах. Один из главных символов этого праздника - тыква.
Считается, что маска с горящими глазами защищает дом от неприятностей и отпугивает нечистую
силу. Однако в Японии утверждают, что тыква - это, прежде всего, музыкальный инструмент с
красивейшим тембром.
Тыква созревает за год. Еще столько же времени нужно, чтобы плод как следует высушить,
и только тогда начинается создание музыкального инструмента. Каким он будет - зависит от
формы тыквы, это определяет звучание. Необычны и звуки, ведь в отличие от классических
9
инструментов западной школы, тыквы способны создавать протяжные резонансы, характерные
для азиатской музыки.
Национальные музыкальные инструменты - кото и сямисэн.
Оба инструмента струнные. Кото чем-то отдаленно напоминает большие гусли, которые
устанавливаются на специальной подставке. Играют на нем, сидя на коленях. Сямисэн, что в
переводе означает "три струны", похож на мандолину или балалайку.
Кото
Кото (яп. 琴) или японская цитра — японский щипковый
музыкальный инструмент. Кото наряду с флейтами хаяси и
сякухати, барабаном цудзуми и лютней сямисэном относится
к традиционным музыкальным японским инструментам.
Сходные инструменты бытуют в Корее (каягым) и в Китае
(цисяньцинь). Игра на кото является одним из традиционных
японских национальных видов искусства, получивших
распространение, прежде всего, при императорском дворе.
Однако и сегодня, этот инструмент пользуется большой
популярностью. Кото пришёл в Японию из Китая, насчитывает более тысячи лет. Он был завезён
на Острова в качестве инструмента для дворцового оркестра. В настоящее время существует два
основных типа инструмента:
Семиструнный «кин» длинной 1 м — используется как соло-инструмент; и «со» — длинной от
1,80 до 2,00 м, с числом струн от 13 и выше — используется как оркестровый инструмент.
На кото играют с помощью накладных ногтей (цумэ), надевающихся на большой, указательный и
средний пальцы правой руки.
Суйкинкуцу
Суйкинкуцу (яп. 水琴窟, буквально пещера водного
кото) — музыкальное приспособление, используемое в
японских садах. Суйкинкуцу состоит из зарытого в земле
кувшика с узким горлышком, над которым располагается
лужица воды. Капли воды, постепенно проникая в кувшин
через горлышко, издают приятные булькающие звуки,
которые формируют несложные мелодии. Звуки суйкинкуцу
можно сравнить с колокольчиком или японской цитрой
кото. Нередко суйкинкуцу оборудуют около японского
рукомойника для мытья рук перед чайной церемонией.
Сякухати
Сякухати — продольная бамбуковая флейта, пришедшая в Японию из Китая. Китайское
название флейты чи-ба. На нынешний момент существует около двадцати разновидностей
сякухати. Стандартная длина флейты — 1,8 японских футов (что составляет 54,5 см). Это
определило само японское название инструмента, так как «сяку» — значит «фут», а «хати» —
«восемь».
Инструмент имеет особый непередаваемый словами звук, который может в значительной
степени меняться по желанию играющего мелодию. Это свойство использовалось мастерами дзен
для исполнения медитативных мелодий. Так же флейта имела распространение среди крестьян,
так как была простым в изготовлении инструментом и подходила для исполнения народных
мелодий.
Сямисэн
Сямисэн, иногда сямисен — японский щипковый трёхструнный музыкальный инструмент.
Ближайший европейский аналог сямисэна — лютня. Сямисэн наряду с флейтами хаяси и сякухати,
барабаном цудзуми и цитрой кото относится к традиционным музыкальным японским
10
инструментам.
Сямисэн появился в Японии в начале 17 века. В отличие от
Европы, где традиционные/старинные инструменты не
пользуются большим вниманием, сямисэн и другие
национальные инструменты в Японии — широко известны и
любимы. Популярность обусловлена не только уважением
японцев к своей культуре и истории, но
и
использованием
национальных
инструментов, в частности — сямисэна, в традиционном японском
театре — прежде всего в театре Кабуки и Бунраку. Обучение игре на
сямисэне входит в программу обучения майко — будущих гейш. Сямисэн
также был важнейшим инструментом для странствующих слепых
музыкантов.
Тайко
Тайко по-японски означает большой барабан, который наполняет воздух ударами,
похожими на раскаты грома и нежное журчание ручейка одновременно. Историю барабанов Тайко
можно проследить со времен древней Японии. Еще глиняные куклы пятого столетия держат
барабаны, что по форме напоминают нам современный музыкальный инструмент Тайко.
В некоторых литературных произведений Японии есть
свидетельства о том, что Тайко был неотъемлемой частью японской
культуры в течение прошлых пятнадцати столетий. Говорится, что Тайко
использовался, чтобы отогнать чуму и злых духов.
Инструменты Тайко находили в имперских судебных оркестрах
Кабуки, театре Нo, на полях битвы и просто в поле.
На барабанах Тайко всё ещё играют на различных фестивалях Японии, но
лишь в двадцатом веке это направление приобретает современную
художественную форму. Современные группы удачно совмещают колорит
Японских традиций со множеством различных инструментов и стилей
исполнения. В результате такого сочетания возникают необычайные
танцевально - музыкальные композиции, популярные по всему миру.
Фуэ
Фуэ Бамбуковая флейта, формой напоминающая малую флейту нашего традиционного
симфонического оркестра. В японской музыкальной истории встречаются разные варианты
инструмента Фуэ. Сегодня этот традиционно японский инструмент можно встретить на
культурных мероприятиях Японии. Японский театр Но также использовал тип Фуэ в своих
постановках.
Традиционные искусства.
Оригами – искусство складывания фигурок из бумаги. Японское
слово «оригами» так и переводится – «сложенная бумага». Раньше
оригами занимались только японцы, но сейчас оригами увлекаются
и дети и взрослые, живущие в разных странах.
Икебана. Многообразие стилей.
Татебана
Это композиция из прямо поставленных в вазу цветов. Этот стиль
был связан с обычаем "кугэ" - приношением к изображению Будды.
Ваза с прямо поставленными в нее цветами была одним из трех
элементов (наряду с подсвечником и сосудом для сжигания
11
благовоний), в композициях, которые ставились перед изображением Будды. Такие композиции и
сейчас можно увидеть в буддийских храмах. Со временем цветы в композициях татебана
приобретали самостоятельное значение, не связанное с религиозным изображением, - они
ставились для того, чтобы ими можно было любоваться. Композиция татебана постепенно
превращалась в композицию Рикка.
Стиль Рикка
Стиль рикка получил свое развитие из композиции татебана
(прямостоящие цветы), а в середине 15 века стала украшением ниши
токонома в комнате для занятий. В начале 16 века становится одним из
лучших украшений замков и дворцов, которые в это время начинают
строиться по всей Японии.
Традиционная
композиция
рикка
олицетворяла
собой
могущественную красоту природы, в которой отдельные элементы
символизировали горные вершины и холмы, водопады и реки, горные
селения и крупные поселки (всего 9 основных элементов). Каждый из
элементов рикка мог быть выполнен только из определенного материала, соответствующего
времени года и имел точно определенное место расположение в композиции. Кроме этого горный
ландшафт композиции рикка был разделен как бы на две части - солнечную (янь) и теневую (инь),
что также оказывало влияние на выбор растительного материала для элементов, находящихся в
инь или янь частях рикка.
Свое настроение мастера рикка выражали, создавая композицию в одном из трех стилей:
Син - строгий, сдержанный стиль для официальных церемоний. В нем главный, элемент
композиции, находившийся в центре вазы, устремлялся вертикально вверх.
Ге - более свободный стиль. Здесь основной элемент мог отклоняться в сторону (степень этого
изгиба выражала настроение автора), а затем верхушка ветки возвращалась к центру, создавая
впечатление устойчивого баланса работы.
Со - это свободный стиль, в котором основной элемент мог быть выполнен не из веток, а из
цветов или трав; это были также композиции в широких вазах, заполненных песком, так что
поверхность воды была не видна. Такие композиции назывались "суна но моно" и ширина таких
работ была больше высоты.
Современная рикка допускает использование разнообразных цветов, листьев и трав.
Размеры и форма композиции, а также число элементов может меняться в зависимости от желания
автора.
Сека Сефутай
Композиция Сека подчеркивает естественную красоту растения. В
природе растение каждый день сталкивается с различными испытаниями:
ветром, бурей, засухой, дождем и снегом и все это оставляет свой
отпечаток на растениях. В этих взаимодействиях с природой и проявляется
внутренний характер растения. Поэтому неудивительно, что в композициях
сека можно встретить листья, изъеденные насекомыми, пожелтевшие
листья, листья сломанные (как бы надломленные ветром) - во всем этом
заключена природная красота растений.
В
композиции
сека
отражено
взаимодействие
трех
основополагающих элементов вселенной: небо-человек-земля. Растения,
которые их олицетворяют, называются соответственно син-соэ-тай и ставятся в композиции в
соотношении 7-5-3 (большое-среднее-малое).
Растения поднимаются над поверхностью воды единым стволом. На расстоянии
приблизительно 10 см от поверхности воды ствол освобождается от веток, листьев, цветов чтобы
выглядеть изящным, ровным и стройным. В композиции могут использоваться не более трех
видов различных материалов.
Большое значение имеет выбор вазы, поскольку она играет не только роль сосуда с
водой, но и символизирует основу, дающую жизнь растению. Вазой определяется выбор
12
природного материала, а материал должен, в свою очередь, соответствовать вазе. Это соответствие
определяется тем настроением, которое автор хотел бы выразить своей работой.
Передать свое настроение можно создавая композиции в одном из трех стилей син, ге или со.
Син - это сдержанная, строгая форма, использующая прямые, неразветвленные растения,
стремящиеся к вертикальному росту. Для таких композиций используются прямые вазы с
нешироким отверстием.
Ге - эта форма создает впечатление легкого движения и покачивания растения на ветру.
Выбираются ветки и цветы с изящными изгибами и разветвлениями. Используются разнообразные
вазы с широким отверстием, бамбуковые двухэтажные вазы, низкие широкие вазы для двойных
композиций, в которых подчеркивается красота поверхности воды.
Со - свободная, эмоциональная форма композиций. Используются растения с энергичными
изгибами и каскадными ветками. Такие композиции можно ставить в вазах свободной формы, в
подвесные вазы, среди которых своей изящной формой выделяются вазы в виде лодки, луны. Если
композицию икэбана сравнивать с музыкальным произведением где цвет-линия-формаповерхность являлись бы нотами, то композиции в стиле син - были бы характерны для Бетховена,
в стиле ге - для Брамса, а Моцарт создавал бы свои произведения в стиле со.
Cека Симпутай
Симпутай - это современная сека, разработанная в 1977 году.
Появление симпутай было связано с желанием приспособить стиль сека
к современной жизни. В современных японских домах уже нечасто
встречается ниша токонома, идеально подходящая для традиционных
композиций икэбана, а соломенные татами, дерево и бумага постепенно
заменяются стеклом, пластиком, синтетическими материалами, поэтому
икэбана должна вписаться в современный интерьер, научиться
взаимодействовать с новыми материалами.
В сека симпутай всего два основных элемента: "Сю" и "Е",
которые, как и в традиционной сека, выходят единым стволом из воды
и место этого выхода является очень важным для передачи ощущения роста растения из земли.
"Сю" - это главный элемент, акцент работы.
"Е" - дополняющий его свойства. В комбинации этих двух элементов также должно
найти свое отражение взаимодействие инь (тень) и янь (свет).
Иногда двух элементов недостаточно для передачи ритма жизни растений, их формы. и
цвета, тогда ставится еще один помощник - "Асираи". Таким помощником, например, можно
внести в работу оттенок времени года, контраста по цвету, размеру и форме растений.
Цель композиций сека симпутай - показать живой ритм современной жизни, в которой
все связано нитями взаимной необходимости.
Морибана и Нагэирэ
Морибана и нагэирэ сформировались из традиционных стилей
икэбана под влиянием западной культуры и, как следствие,
предоставляют большую свободу аранжировщику при выборе
растительного материала.
В композициях морибана растения ставятся в низких широких
вазах круглой, овальной, квадратной формы и крепятся при помощи
Морибана
специального металлического крепления - кензана. Для нагэирэ
используются высокие, цилиндрические вазы, а растительный материал крепится с помощью
различных приспособлений (расщепленных веток, крестовины и др.).
Если в нагэирэ подчеркивается красота линий, то в композициях морибана делается
акцент на объем, массу и цвет растений.
Основа этих композиций создается взаимодействием трех элементов:
Син - (большое)
Соэ - (среднее)
Тай - (малое)
13
В зависимости от природы используемого материала, композиции морибана и нагэирэ
можно разделить на три стиля.
Прямостоящий
Для таких композиций выбираются ветки, цветы, травы, имеющие в
природе стремление к вертикальному росту: гладиолусы, ирисы,
нарциссы, бамбук. Главный, самый высокий элемент син ставится почти
вертикально, верхушка его может отклоняется в сторону не более чем на
30 градусов от вертикали, мысленно проведенной из точки выхода син на
Нагирэ
кензане. Два других элемента соэ и тай ставятся в зависимости от син с
учетом общего баланса и гармонии работы.
Наклонный
В этом стиле хорошо использовать ветки и цветы с изящными изгибами.
Верхушка основного элемента син может отклоняться на угол более 30 градусов, и производит
впечатление растения, склоненного порывом ветра. Соэ и тай как бы подхватывают это движение
син и все элементы вместе создают живую картину природы.
Каскадный
В работах этого стиля акцент делается на эффектный изгиб основного элемента син,
который выходя из вазы каскадно спадает вниз так, что его верхушка опускается ниже уровня
вазы, а кончик всегда смотрит вверх, на солнце. Соэ и тай могут быть несколько меньше обычного
размера и уравновешивают син. Такие композиции хорошо размещать на возвышенном месте полке или специальной подставке для вазы.
Тябана
Стиль тябана появился в 16 веке, благодаря чайной церемонии. Основной
характеристикой этого стиля является простота и сезонность используемого
материала. В композициях тябана, поставленных в скромные бамбуковые, плетеные
или керамические вазы, как правило, присутствовал либо один цветок либо одна
ветка, олицетворяющие собой красоту садов, полей, лесов.
Свободный стиль
Свободный стиль появился в начале 20 века, как наиболее
соответствующий современной жизни. В этом стиле внутренний мир
растений выражается в свободной комбинации цвета, линии,
поверхности, массы растительного материала в соответствии с идеей
автора. В свободном стиле могут использоваться материалы и
нерастительного происхождения: проволока, металл, пластик, стекло
и др., выполняя в композиции вспомогательную функцию.
Музыка для слушания :
• «Вишня» японская народная песня
• «Вариации на тему японской народной песни» Д.Б. Кабалевский
• «Катюша» И. Блантер (в исполнении на японском языке)
• Народные песни и инструментальные произведения (по выбору учителя)
14
Норвегия. Страна полночного солнца.
Далеко на севере, где зимние штормы разбиваются о
прибрежные скалы, лежит длинная и узкая страна. Она покрыта
бесконечными, дремучими лесами, где в лунные ночи светятся
озера, от величественности мрачных гор, захватывает дух. Когда
плывешь в маленькой лодке между сумрачными скалами
норвежских фьордов, нетрудно понять, как родились легенды о
Валгалле и суровых скандинавских богах. В пасмурный туманный
день легко представить себе в этих таинственных заводях лодки
гордых викингов. Норвежцы очень гордятся своими предками.
На сегодняшний день снег и льды покрывают эту страну шесть
месяцев в году. Но не всегда было так. Когда-то, давным-давно, на ее месте лежал огромный
ледник, покрывавший всю территорию страны тысячи лет. Постепенно, с потеплением климата,
ледник отступал на север, а следом за ним, по пятам, шли Люди. Увидев великолепие этой страны,
они остались здесь и назвали себя "норманнами" (Людьми севера).
Белые невесомые облака и молчаливые горы –
величественная и недоступная Норвегия только на первый взгляд
холодная и угрюмая.
Норвегия расположена в Северной Европе, на западе
Скандинавского полуострова, и граничит со Швецией, Финляндией
и Россией. Главная достопримечательность этого края – известные
на весь мир норвежские фьорды.
Фьорды. Горы высотой 2400 м отражаются в водах
фьордов, глубина моря в которых достигает иногда 1300 м. Весной
в этом исключительном микроклимате (а все благодаря Гольфстриму) фруктовые сады
соперничают белизной с вечными снегами, лежащими на горных вершинах.
География Норвегии – это постоянное напоминание о
ледниковом периоде. Несколько ледников, наиболее известные из
которых Юстедальсбре и Свартисен – всё, что осталось от ледяного
покрова, сформировавшего многие глубокие фьорды и оставившего
после себя плодородные долины с вьющимися по ним реками.
Величественная природа послужила вдохновением, выразившимся в
симфониях Грига, пьесах Ибсена и картинах Мунка. Кроме
повергающих в трепет фьордов, замечательными видами славятся
Лофотенские острова, прекрасное южное побережье и множество городков и городов, большая
часть
которых
располагается
поблизости
от
воды.
«Земля полуночного солнца» богата не только величественной природой, но культурным
наследие эпохи викингов и традициями жителей удалённых северных районов страны – саамов.
Основные города – Осло, столица страны; исторический торговый порт Берген, служащий
воротами к целой серии фьордов; и холмистый Тромсе, расположенный в пределах Полярного
Круга и являющийся центром наибольшей активности Северного
сияния.
Также заслуживает внимания Тронхейм – столица времён
викингов. Ну а если Вас привлекают большие приключения,
направляйтесь к арктическим островам Свальбарда (также
известного как архипелаг Шпицберген), где на улицах города
Лонгьир
можно
встретить
полярных
медведей.
Самый большой вклад норвежцев в историю был сделан во
времена викингов, когда их корабли пересекли Атлантику, и Европа
подверглась целой серии набегов. Высшим техническим достижением викингов были их боевые
корабли. Эти ладьи, содержавшиеся в образцовом порядке, часто с большой любовью
описывались в поэзии викингов и составляли предмет их гордости. Узкий каркас такого судна был
очень удобен для подхода к берегу и быстрого прохождения по рекам и озерам. Более легкие суда
15
особенно подходили для внезапного нападения; их можно было переносить
волоком из одной реки в другую, чтобы обойти пороги, водопады, плотины
и укрепления.
Ладьи викингов различались по числу пар гребных весел, крупные
суда – по числу гребных скамей. 13 пар весел определяли минимальный
размер боевого судна. Самые первые суда были рассчитаны на 40–80
человек каждое, а большое килевое судно 11 в. вмещало несколько сотен
человек. Такие крупные боевые единицы превышали в длину 46 м.
Суда нередко строили из досок. Большинство боевых кораблей
было ярко раскрашено. Резные головы драконов, иногда позолоченные,
украшали носы судов. Такое же украшение могло быть на корме, а в
некоторых случаях там красовался извивающийся хвост дракона. При плавании в водах
Скандинавии эти украшения обычно снимались, чтобы не напугать добрых духов. Часто при
подходе к порту по бокам судов вывешивались в ряд щиты, но в открытом море это не
допускалось. Суда викингов двигались с помощью парусов и весел. Простой парус квадратной
формы, сделанный из грубого холста, часто разрисовывался в полосы и клетки.
Столица Норвегии - город Осло. На набережной средневековая крепость Акерсхус (1300 г.), пережившей и эпидемии,
и пожары, и войны, но никогда не сдававшейся врагу. Уникальная
система сообщения залов с потайным коридором позволяла
защитникам замка находиться прямо над головами осаждавших. А
чтобы подойти к стенам Акерсхуса, захватчикам нужно было сначала
преодолеть шесть крепостных ворот и столько же тяжелых решеток.
Теперь крепость открыта для зрителей. Роскошные королевские
покои с громадными каминами, массивной мебелью, старинными гобеленами, темные подземелья
с камерами для узников и часовни. Сегодня крепость и замок Акерсхус используются для
официальных государственных приемов.
Изначально норвежцы были исследователями. Что касается норвежских учёных
современности, многим известны имена полярного исследователя Руаля Амундсена и археолога и
этнолога Тура Хейердала, пересекшего Тихий океан на деревянном плоту «Кон-Тики».
Страна Троллей
Тролльвеген, или Стена троллей - это вертикальная стенка
высотой более 1000 метров. Согласно легенде, тролли, некогда
обитавшие в этих краях, были превращены в причудливо изрезанные
отвесные скалы странных очертаний. Восхождение на эту скалу
считается одним из самых трудных в мире. Она оставалась
неприступной до 1965 года.
Дорога троллей (Trollstigeveien).
Построенная в 1936 году, эта пробитая в
горах дорога поднимается по горному склону одинадцатью крутыми
петлями серпантина. На половине подъема - небольшой мост через
Стигфоссен (водопад высотой 180 метров). С моста видны справа
следы старинной дороги для мулов. В течение
сотен лет это был единственный путь сообщения с
фьордами. Путешествие по этой обрывистой
дороге над безднами Стигфоссена было чревато многими опасностями. С
верхней точки дороги, рядом с Котлами великанов, открывается панорама всей
долины.
Ревущие водопады низвергаются каскадом с тёмных горных утёсов.
Кстати, многие из самых высоких в мире водопадов находятся именно в
Норвегии.
Природа этой страны сохранила много интересных мест, связанных с
троллями. Троллхолмсунд - красивые каменные монолиты, которые дали
16
название месту "Тролли в Троллхолмсунд". Согласно старой легенде, это группа троллей, который блуждали по равнинам Финнмарка. Они имели с
собой сундук золота и пытались вырыть отверстие в горе в Порсангере, но
не смогли сделать его достаточно большим. Они продолжили идти и
собирались пересечь фьорд, но взошло солнце, и тролли превратились в
камень.
Норвежцы
придерживаются
многих
своих
традиций,
примечательным
является
искусство
сказосложения,
особенно
практикующееся во время долгих зимних вечеров, сидя у камина.
Постепенно Тролли стали появляться в сказках. Интересно, что
легенды описывают их весьма противоречиво.
Тролли могут быть маленькими разновидностями гномов, а могут
быть огромными как горы, (конечно, ведь они являются дальними
родственниками титанов, которые рождались из скал и питались камнями). Единственное в чем
легенды не противоречат друг другу, это то, что тролли были отвратительны и безобразны.
Встречаются истории о двухголовых и даже трехголовых троллях, есть тролли одноглазые, как
циклопы, у многих растет на голове мох и даже деревья.
Несмотря на свой устрашающий вид, встречаются и добрые
тролли, но все они настолько наивны и глупы, что даже деревенские
мальчишки, могли запросто обхитрить их. Все Тролли живут внутри гор,
или поблизости, в пещерах, где прячут свои несметные сокровища,
выходят только ночью, поджидая незадачливых путников под мостом.
Питаются мясом, похищая скот. Большинство из них бывает, доживают до
ста лет, но солнечный свет губителен для них, и утром, если тролль не
доберется до укрытия, он умрет, превратившись в камень.
Они могли схватить и утащить женщину к себе в пещеру, чтобы
превратить ее в рабыню, навсегда похороненную во мраке и сырости подземного логова. Могла
она стать и женой тролля. Ее намазывали отвратительной мазью, кожа ее грубела, покрывалась
шерстью, лицо менялось, и она становилась такой же уродливой, как муж.
Но и на троллей есть управа. Если задать троллю загадку, то он будет должен разгадать
ее. Если он не сможет разгадать, то умрет, но если разгадает, то в ответ задаст свою и, так будет до
тех пор, пока кто-нибудь не проиграет. В такой ситуации вам нужно постараться загадками занять
тролля до рассвета, ведь с первыми лучами солнца тролль тут же превратиться в камень и это
будет вашим спасением.
Раньше тролли ели людей, а теперь пакостят по мелочам –
украдут ключи или продырявят покрышку. Но в Норвегии к ним
привыкли, и никто не обижается. Более того, каждый имеет дома
своего маленького тролля, который помогает справиться с «нечистой
силой», например, с налоговым инспектором. Даже в нашем
современном мире норвежцы уважают троллей, ведь никто заранее не
знает, где и когда вы с ними встретитесь.
Скандинавская
мифология
богата
описаниями волшебных человекоподобных
существ, которые называются фейри. Фейри —
в фольклоре скандинавских и кельтских народов, прежде всего —
шотландцев,
ирландцев
и
валлийцев,
общее
наименование
сверхъестественных существ. Все фейри без исключения одарены
способностью мгновенно являться, мгновенно исчезать и становиться
невидимыми, либо принимать на себя наружный вид разного рода
животных или неодушевленных предметов.
Эльфы — Описания эльфов в различных мифологиях различаются,
но, как правило, это красивые, светлые существа, духи леса, владеющие
магией и познавшие тайны природы. В ранней германо-скандинавской
мифологии эльфы — нестареющая, обладающая магией, прекрасная раса, живущая как и люди, на
17
Земле, либо в своей волшебной стране, которая также описывается физически реальной (так как
по легендам люди попадают туда и возвращаются оттуда живыми). В более поздней мифологии —
духи природы, населяющие воздух, землю, горы, леса.
Со временем легенды и истории об эльфах терпели изменения, и теперь их образ весьма
не однозначен. Многим людям эльфы представляются как крошечные и нежные создания, с
заостренными и удлиненными ушками, живущие в лесу, либо в близи источников и ручьев.
Иногда эльфов наделяют крылышками, это обычно означает, что автор либо путает, либо
сознательно
не
делает
разницы
между
эльфами
и
феями.
Феи — в европейском фольклоре обладающие волшебными знаниями и силой —
женщины. Как правило, феи помогают или просто творят добрые дела, а так же становятся
крестными принцев и принцесс, принося им в подарок при крещении какие-нибудь волшебные
дары или способности. Во владении феи обычно всегда бывает волшебная палочка с помощью
которой они и творит свои чудеса. Народное воображение наделяло фей довольно сложным
характером: они лукавы и проказливы, иногда жестоки, а иногда добросердечны; очень обидчивы
и мстительны; обладают эстетическим чувством — любят пляски, музыку.
Альвы – духи природы. Они являются «светлыми эльфами». Дверги, или цверги —
подземные карлики, искусные кузнецы. Они живут под землей и боятся света, лучи солнца
превращают их в камень. Они не велики ростом, но очень сильны. Об их облике мало что
известно, кроме того, что они маленького роста и предвещают беду. По некоторым источникам, у
двергов на ногах по семь пальцев. Они похищают скот и детей, а также горазды на мелкие
пакости. Они являются «темными эльфами». От них произошли столь популярные в современной
англоязычной литературе гномы. Им доверили недра земли, потому почти везде гномов стали
считать искуснейшими кузнецами, которые способны ковать самую гибкую и твердую сталь либо
выделывать из золота и серебра такие мелкие вещи, которые едва сможет различить человеческий
глаз.
Эти и другие волшебные существа, стали персонажами сказок замечательного
норвежского писателя Ганса Христиана Андерсена.
Андерсен Ганс Христиан - датский писатель. Мировую славу
принесли ему сказки, в которых сочетаются романтика и реализм,
фантазия и юмор, сатирическое начало с иронией.
Мысль пересказывать народные сказки и писать в том же жанре ни в
коей мере не была оригинальной — европейские писатели занимались
этим уже более ста лет. Почему бы молодому, честолюбивому писателю
не попробовать то же самое? Ведь он всегда любил этот вид фольклора.
Собственно, кто мог быть ближе к нему, чем он, ребенок из народа? "В
детстве я больше всего любил слушать сказки, — пишет он, — почти все
еще живы в моей памяти, а некоторые из них известны очень мало или
совсем неизвестны; я пересказал одну, а если ее хорошо примут, я
возьмусь и за другие и когда-нибудь создам цикл детских народных сказок".
"Сейчас я начинаю несколько детских сказок, — писал он в первый день нового года своей
приятельнице, — видите ли, я хочу попытаться завоевать молодое поколение! Я написал их так,
как рассказывал бы ребенку". Писатель часто развлекал детей в семьях, где регулярно бывал,
рассказывая им "истории, которые он либо сам тут же придумывал, либо брал из известных
сказок; но рассказывал ли он свое или пересказывал, манера изложения была столь исключительно
его собственная и живая, что она восхищала детей. Даже самую сухую фразу он мог сделать
живой; он не говорил: "Дети сели в повозку и поехали", а: "Ну вот, уселись они в повозку, до
свидания, папа, до свидания, мама, кнут щелк, щелк, и покатили. Эх ты, ну!"
Он очень любил детей, но вовсе не собирался становиться детским писателем, и все же именно
маленькие читатели подсказали ему ту необычную форму повествования, которая для него лучше
всего подходила, и открыли ему дорогу к славе.
Но одно дело — рассказать историю живым, присутствующим слушателям, а другое —
сформулировать ее письменно. Собираясь впервые издать сказки, он столкнулся с большой
трудностью: как перевести живость устного рассказа в написанные слова. Ему нужно было
18
создать новый письменный язык. Триумф его гения состоял в том, что это ему удалось. И удалось
сразу. Первый же сборник сказок, вышедший весной 1835 года, означал — хотя Андерсен не
подозревал об этом — поворот в его творчестве и поворот в истории датской прозы.
Вырезки Андерсена для иллюстраций своих сказок
Он начал с того, что пересказывал сказки, услышанные в
детстве: "Огниво", "Маленький Клаус" и "Принцесса на
горошине", но уже четвертую, "Цветы маленькой Иды",
завершившую первый сборник, он сочинил сам; она появилась,
когда маленькая дочка поэта Тиле однажды попросила рассказать
ей что-нибудь. Скоро он уже сочинял сам больше, чем
пересказывал. "Дорожный товарищ", "Дикие лебеди" и "Свинопас"
— это народные сказки; но идею "Скверного мальчишки" он заимствовал из маленького
стихотворения древнегреческого поэта Анакреона, "Новое платье короля" — это старый
испанский анекдот, "Эльф розового куста" — переработка итальянской народной песни. Мотив
"Сундука-самолета" взят из сказок "Тысячи и одной ночи", а ряд других детских сказок
полностью придуман им самим (например, "Дюймовочка", "Русалочка", "Калоши счастья",
"Ромашка", "Стойкий оловянный солдатик", "Райский сад", "Аисты", "Оле Лукойе", "Гречиха").
Но откуда бы ни происходил сюжет, маленькие слушатели были в восторге. Их читали и ими
восхищались не только в Дании, но и за рубежом, и все в большей и большей степени взрослые.
Он понял, что можно использовать сказки для передачи взрослых идей взрослым читателям.
"Я думаю, — писал он —... что я точно решил писать сказки! Те, что я издавал раньше, были
старые сказки, которые я слыхал ребенком и которые охотно рассказывал и переделывал на свой
лад. Теперь я рассказываю из головы, хватаю идею для взрослых — и рассказываю для детей,
помня, что отец и мать иногда тоже слушают и им нужно дать пищу для размышлений!"
С тех пор он больше не называл свои сборники "Сказки, рассказанные для детей", а просто
"Сказки".
Итак, теперь он писал и для детей, и для взрослых. Это было творчество в два этажа,
выражаясь по-андерсеновски: язык и сказочное окружение он сохранил, но идеи за ними
предназначались отцу и матери, которые слушали вместе с детьми. В 1849 году все его
написанные к тому времени сказки вышли отдельным большим изданием, ставшим памятником
художественного таланта писателя, которому не исполнилось и сорока пяти лет.
Но он еще не кончил писать сказки. В 1852 году вышло еще два сборника, но с новым
заглавием. Теперь он называл их "Истории" — ему хотелось более широкого обозначения.
Сказки Андерсена являются единственными датскими произведениями, вошедшими в
мировую литературу. Время не лишило их жизненной силы, и они пересекли все национальные
границы.
И, разумеется, в сказках Андерсена мы встретим гномов, эльфов, фей и других персонажей
народного фольклора.
Фрагмент из сказки «Дюймовочка».
…Ласточка спустилась и посадила девочку на
один из широких лепестков. Но вот диво! В самой
чашечке цветка сидел маленький человечек, беленький и
прозрачный, точно хрустальный. На голове у него сияла
прелестная золотая корона, за плечами развевались
блестящие крылышки,
а сам
он был не больше
Дюймовочки.
Это был эльф. В каждом цветке живет эльф или
эльфа, а тот, который сидел рядом с Дюймовочкой, был
сам король эльфов.
Ах, как он хорош! шепнула Дюймовочка ласточке.
19
Маленький король совсем перепугался при виде ласточки. Он был
такой крошечный, нежный, и она показалась ему огромным
страшилищем. Зато он очень обрадовался, увидав нашу крошку, он
никогда еще не видывал такой хорошенькой девочки! И он снял свою
золотую корону, надел ее Дюймовочке на голову и спросил, как ее зовут
и хочет ли она быть его женой, царицей цветов? Вот это так муж! Не то
что гадкий сын жабы или крот в бархатной шубе! И девочка
согласилась. Тогда из каждого цветка вылетели эльф или эльфа
такие хорошенькие, что просто прелесть! Все они поднесли Дюймовочке
подарки. Самым лучшим была пара прозрачных стрекозиных крылышек.
Их прикрепили к спинке девочки, и она тоже могла теперь летать с
цветка на цветок! То-то было радости! А ласточка сидела наверху, в
своем гнездышке и пела им, как только умела. Но самой ей было очень грустно: она ведь крепко
полюбила девочку и хотела бы век не расставаться с ней.
Тебя больше не будут звать Дюймовочкой! сказал эльф. Это гадкое имя, а ты такая
хорошенькая! Мы будем звать тебя Майей!
Прощай, прощай! прощебетала ласточка и опять полетела из теплых краев в далекую Данию.
Там у нее было маленькое гнездышко, как раз над окном человека, большого мастера
рассказывать сказки. Ему-то она и спела свое "кви-вить", от нее-то мы и узнали эту историю.
Фрагмент сказки «Эльф розового куста»
В саду красовался розовый куст, весь усыпанный чудными розами. В одной из них, самой
прекрасной меж всеми, жил эльф, такой крошечный, что человеческим глазом его и не разглядеть
было. За каждым лепестком розы у него было по спальне; сам он был удивительно нежен и мил,
ну точь-в-точь хорошенький ребенок, только с большими крыльями за плечами. А какой аромат
стоял в его комнатах, как красивы и прозрачны были их с гены! То были ведь нежные лепестки
розы.
«Белоснежка и семь гномов» – великолепная сказка до сих пор
остается одним из самых добрых и человечных творений. История
красавицы Белоснежки преследуемой злой колдуньей и нашедшей приют
в волшебном лесу в сказочном домике забавных и очаровательных гномов
Профессора, Ворчуна, Весельчака, Скромника, Тихони, Сони и Молчуна,
тронула сердца миллионов, не только детей, но и их родителей.
Музыка Норвегии.
Эдвард Григ родился и провёл молодость в Бергене. Город
славился национальными творческими традициями, особенно в области
театра: здесь начинали свою деятельность Генрик Ибсен и Бьёрнстьерне
Бьёрнсон. В Бергене родился и долго жил Уле Булл, который первым
заметил музыкальный дар Эдварда.
Эдвард Григ родился 15 июня 1843 года, в семье потомка
шотландского купца. Отец Эдварда, Александр Григ, занимал пост
британского консула в Бергене, мать, Гесина Хагеруп, была пианисткой,
окончившей Гамбургскую консерваторию, куда обычно принимали только
мужчин. Эдварда, его брата и трёх сестёр с детства обучали музыке, как
было принято в состоятельных семьях. Впервые будущий композитор сел за
пианино в четыре года. В возрасте десяти лет Григ был отправлен в общеобразовательную школу.
Однако его интересы лежали совсем в другой области, кроме того, независимый характер
мальчика часто толкал его на обман учителей. Как рассказывают биографы композитора, в
начальных классах Эдвард, узнав, что учеников, вымокших под частыми на его родине дождями,
отпускают домой, чтобы они переоделись в сухое, Эдвард стал специально мочить одежду по
дороге в школу. Так как жил он далеко от школы, то к его возвращению занятия как раз
заканчивались.
20
В двенадцать лет Эдвард Григ уже сочинял собственную музыку. Одноклассники дали
ему прозвище «Мозак» за то, что он был единственным, кто верно ответил на вопрос учителя об
авторе «Реквиема»: остальные ученики не знали о Моцарте. На уроках музыки Эдвард был
посредственным учеником, несмотря на гениальные способности к музыке. Современники
композитора рассказывают, как однажды Эдвард принёс в школу нотную тетрадь, подписанную
«Вариации на немецкую тему Эдварда Грига ор. № 1». Классный наставник проявил видимый
интерес и даже перелистал её. Григ уже предвкушал великий успех. Однако учитель вдруг дёрнул
его за волосы и прошипел: «В другой раз приноси немецкий словарь, а эту ерунду оставь дома!»
Первый из музыкантов, кто определил судьбу Грига — знаменитый скрипач Оле Булл,
также знакомый семьи Григов. Летом 1858 года Булл был у семьи Григов в гостях, и Эдвард, дабы
уважить дорогого гостя, сыграл на фортепиано пару собственных композиций. Слушая музыку,
обычно улыбчивый Оле вдруг стал серьёзным и тихо сказал что-то Александру и Гесине. После
подошёл к мальчику и объявил: «Ты отправляешься в Лейпциг, чтобы стать композитором!»
Таким образом, пятнадцатилетний Эдвард Григ попал в Лейпцигскую консерваторию и
через четыре года окончил ее с отличными оценками. Его судьбой отныне и навсегда стала
музыка. В том же году в шведском городе Карлсхамн он дал свой первый концерт.
В 1863 году Григ едет в Копенгаген — центр музыкальной жизни тогдашней
Скандинавии.
Годы, проведённые в Копенгагене, отмечены многими событиями, важными для
творческой жизни Грига. Прежде всего, Григ близко соприкасается со скандинавской литературой,
искусством. Он знакомится с видными её представителями, например, со знаменитым датским
поэтом и сказочником Хансом Кристианом Андерсеном. Это вовлекает композитора в русло
близкой ему национальной культуры. Григ пишет песни на тексты Андерсена
Эдвард Григ выступал с концертами и жил во многих
городах, но любимыми для него были уединённые места, среди
прекрасной природы Норвегии. Особенно
знаменитый
Тролдхауген («холм троллей») в горах, недалеко от родного
Бергена. Это название дал месту сам Григ. С 1885 года и до самой
смерти Грига Тролдхауген был основным местом жительства
Дом-музей Э. Грига
композитора. В горах приходят «исцеление и новая жизненная
энергия», в горах «вырастают новые идеи», с гор Григ
возвращается «как новый и лучший человек». В письмах Грига часто встречались подобные
описания гор и природы Норвегии. Так пишет Григ в 1897 году: « Я
видел такие красоты природы, о которых не имел никакого
представления… Огромная цепь снеговых гор с фантастическими
формами возвышалась прямо из моря, при этом заря в горах, было
четыре часа утра, светлая летняя ночь и весь ландшафт был будто
окрашен кровью. Это было неповторимо!».
Одним из самых знаменитых произведений Грига и по сей день,
считается вторая сюита — «Пер Гюнт», написанная по мотивам драмы
Генрика Ибсена, выдающегося писателя Норвегии.
Музыкальные произведения для прослушивания на уроках и во внеклассных занятих:
Эдвард Григ:
• «Заход солнца»
• «Утро»
• «Бабочки»
• «В пещере горного короля»
• «Кобольд»
• «Шествие троллей»
• «В лесу»
• «Море в ярких лучах сияет»
• цикл «Норвежские народные песни и танцы для фортепиано» и др.
21
П.И. Чайковский:
• танец Феи-драже из балета «Щелкунчик»
М.П. Мусоргский:
• «Гном» из цикла «Картинки с выставки»
Норвежская народная музыка
Невозможно точно датировать норвежскую народную музыку, точно так же, как и
ответить на вопрос о том, что древнее: народные песни или инструментальная музыка?
Многие музыкальные инструменты были неотъемлемой частью народного быта в далёкие
времена.
Норвежская народная музыка (как вокальная, так и инструментальная) обычно
исполняется соло.
Основными инструментами являются скрипка и хардингфеле.
Последняя считается норвежским национальным музыкальным инструментом. В
отличие от обычной скрипки, хардингфеле имеет 4 или 5 нижних струн, которые
проходят через подставку и под грифом. На нижних струнах не играют, но они
вибрируют в резонанс. Традиционные хардингфеле меньше обычной скрипки, у
них более выпуклые крышка и дно и звучат они громче. Они часто украшены
инкрустацией на грифе, корпус расписан узорами. Исследователи до сих пор не
смогли выяснить, как появился у норвежцев этот инструмент. Некоторые
считают, что он является модификацией обычной скрипки, другие связывают его
со средневековыми струнными инструментами.
К норвежским народным инструментами относятся также мунхарп, или
варган (munnharpe), различные флейты, козий рог (bukkehorn), деревянный рожок (lur) и ланглейк
(langeleik). Некоторые из них имеют очень древнее происхождение. Музыка, которая исполняется
на народных инструментах, богата и разнообразна. Различаются как собственно норвежские
танцевальные мелодии (спрингар, гангар, халлинг), так и более поздние танцы, пришедшие в
страну из Центральной Европы (вальс, полька, рейнлендер).
ЛАНГЕЛЕЙК («длинный») — разновидность ручной горизонтальной арфы, имеющая
семь, а иногда и больше струн и настраиваемая с помощью колков, расположенных на обоих
концах грифа. Короткие струны настраиваются колками, или т.н. подвижными кобылками. На
инструменте
играют
с
помощью
плектра,
перебирая
струны.
БУККЕХОРН («козий рог») — духовой мундштучный инструмент
пастухов. Изготовляется из козьего рога, имеет 3-6 игровых отверстий.
Звукоряд диатонический. Звук сильный, резкий. На нём исполняли
различные наигрыши, танцевальные мелодии. Пастухи использовали его как
сигнальный инструмент. По существующему обычаю, молодые парни,
собиравшиеся жениться, по вечерам исполняли на нём грустные мелодии.
ВАРГАН (от латинского ORGANUM — орудие) — самозвучащий
язычковый инструмент. Распространён у большинства народов мира. Тихий
звук и небольшой диапазон ограничивают его репертуар короткими
танцевальными мелодиями, традиционными напевами и наигрышами.
Варган используется как звукоподражательный инструмент. Вот несколько
разновидностей Варгана: «комуз» (тюркский), «купас» (чувашский),
«кубыз» (башкирский и татарский), tromp (шотландский), kutsi-biwa
(японский).
Ежегодно в стране проводится два национальных конкурса народной музыки.
Национальный фестиваль народной танцевальной музыки – это конкурс старинного танца;
Национальный конкурс традиционной музыки охватывает инструментальную и песенную музыку,
народный танец и т.п.
22
В своих импровизациях народные скрипачи разрабатывали три типа танцев: «ХАЛЛИНГ» —
сольный мужской танец. Чётный размер, чёткие упругие ритмы, подвижность и энергия движения
передают характер танца, демонстрирующего силу, ловкость, мужественность. Ему
свойственна
неожиданная
смена
характера
движения.
«Спрингданс» — ("springe" — прыгать, «танец вприпрыжку») — один из
самых распространённых в Норвегии танцев, лёгкий и подвижный.
«Гангар» («Крестьянский марш») — распространённый в
Норвегии тип танца-шествия ("gang" — шаг). Это старинный
парный танец спокойного и величавого, торжественного характера,
размеренного движения, исполнялся обычно на деревенских свадьбах.
Надо отметить, что указанные типы танцев близки друг другу по музыке
— им всем присущи живые, энергичные ритмы, активный характер, порой с
оттенком юмора. В танцы, особенно «Гангар», нередко привносятся сюжетные
мотивы (в частности, популярны шуточные сцены , именуемые «стабе-лотен».
В последнее время в нашу жизнь ворвалась музыка кельтских народов. Особенно
популярна ирландская и шотландская. И большое количество мелодий, особенно танцевальных,
исполняется на скрипке. Обычно это очень зажигательные мелодии, которые так и зовут в пляс.
23
Австрия.
Австрия издавна была страной музыки и драматического искусства. В Зальцбурге
родился Моцарт, в Вене жили и творили Бетховен, Гайдн, Шуберт и Брамс. Иоганн Штраус-отец
сделал этот город столицей вальса.
Маленький волшебник Моцарт
Вольфганг Амадей Моцарт родился 27 января 1756 в Зальцбурге
(Австрия) расположенном в районе Альп, окруженном живописными
реками, сказочными садами и дремучими лесами .
Моцарт – это, пожалуй, один из самых известных юных гениев. Ведь
уже в детстве им восхищалась вся Европа, его называли маленьким
волшебником и приглашали выступать к самым известным и именитым
людям того времени.
Его отец был придворным органистом и капельмейстером в
Зальцбурге. Он был сведущим музыкантом и отличным скрипачом и
органистом. Мама Моцарта была женщиной красивой, веселой и
добродушной, а папа порой был строг и непреклонен – совершенно
обычная семья, верно?
Насколько мать любила баловать и лелеять своих детей,
настолько отец был строг и требователен. С раннего возраста он принимал участие в воспитании
детей, приучал их к порядку и обязательности. Он сам укладывал детей спать и пел им
колыбельные песни.
По свидетельствам современников, до трех лет Вольфганг мало чем отличался от
остальных детей: он был живым и веселым мальчиком, часто спрашивал, любят ли его.
Единственное, в чем тогда выражалась его музыкальность: все свои игры он любил сопровождать
песенками и музыкой.
Встреча Моцарта с «взрослой, серьезной» музыкой началась тогда, когда его пятилетнюю
сестру начали учить играть на клавесине. На первом уроке присутствовал и Вольфганг, и урок
произвел на него огромное впечатление. После этого мальчика было «не оторвать» от
инструмента. Отец попробовал показать ему маленький менуэт – и мальчик безошибочно его
повторил. Тогда и с ним начали заниматься.
Отец Моцарта не хотел слишком рано знакомить Вольфганга с правилами сочинения музыки, но
это не помешало малышу написать свой первый концерт в 4 года. Отец застал его за кипой
нотной бумаги, все листы были в кляксах и нотах, и мальчик утверждал, что пишет концерт для
клавесина, и уже закончил первую часть. Когда старший Моцарт разобрался в нотах и кляксах,
он поразился: перед ним был совершенно правильно написанный концерт, хотя и не
исполнимый по трудности. Когда любящий отец-учитель увидел ещё неоконченную нотную
запись, он изумлённо воскликнул:
- Но этот концерт так труден, что его никто не сможет сыграть!
- Какие глупости, папа! - возразил Моцарт, - его может сыграть даже ребёнок. Например - я.
Учился Вольфганг весьма успешно: чем бы он ни занимался, он предавался делу всей
душой. Ему очень нравилась математика. Правда, решая математические задачки, малыш мог
писать не только на бумаге, но и на стенах, скамьях, на полу. Когда же ребенок садился за
фортепьяно, никто не осмеливался не то что с шуткой к нему подойти, но даже просто заговорить!
В такие моменты лицо Вольфганга становилось таким серьезным и сосредоточенным.
В шесть лет началось путешествие Моцартов по Европе. Они переезжали из города в
город, покоряя разные города и людей. Слава необыкновенных детей (Вольфганга и его одаренной
сестры Наннерль) летела перед ними. Их принимали высокопоставленные лица и царственные
особы.
Всё детство Моцарта было непрерывной чередой выступлений и музыкальных занятий.
На многочисленных концертах в разных уголках Европы чудо-ребёнок развлекал великосветскую
публику, например так: отец закрывал ему лицо платком, а он играл на клавире с закрытыми
глазами. Потом тем же платком закрывали клавиатуру, и малыш вполне справлялся с игрой.
На одном из концертов на эстраду вдруг вышла кошка... Моцарт бросил играть и со всех ног
бросился к ней. Забыв о публике, юный гений стал забавляться с животным, и на сердитый окрик
24
отца отвечал:
- Ну, папочка, ещё чуть-чуть, ведь клавесин никуда не денется, а кошка уйдёт...
Известность и популярность «пришли» к Моцарту рано, он
рано научился трудиться, но ему, как и прочим детям иногда
хотелось просто погулять.
В семь лет Вольфганг написал свою первую симфонию, в
двенадцать лет - первую оперу "Бастьен и Бастьена". В Болонской
академии существовало правило не принимать никого в члены
академии моложе двадцати шести лет. Но для талантливого Моцарта
было сделано исключение. Он стал академиком Болонской академии
в четырнадцать лет...Когда отец поздравлял его, он сказал:- Ну
теперь, дорогой отец, когда я уже академик, можно я пойду на
полчаса просто погулять?
Об известных и знаменитых людях обычно рассказывают важные и серьезные вещи.
Значительно реже вспоминают о том, что Моцарт был озорником и шутником и эти черты
характера сохранял всю жизнь.
Как-то раз Моцарт решил подшутить над Сальери. Известным музыкантом и
композитором.
- Я написал такую вещицу для клавира, которую не сможет исполнить ни один человек в
мире, кроме... меня! - сообщил он приятелю. Посмотрев ноты, Сальери воскликнул:- Увы, Моцарт,
ты тоже не сумеешь сыграть это. Ведь тут обе руки должны исполнять труднейшие пассажи,
причем на противоположных концах клавиатуры! И именно в этот момент необходимо взять
несколько нот посередине клавиатуры! Даже если играть еще ногой, все равно исполнить
написанное не удастся - слишком быстрый темп... Моцарт, весьма довольный, рассмеялся, сел за
клавир и... исполнил пьесу в точности так, как она была написана. А сложный аккорд посередине
клавиатуры он взял... носом!
Один близкий приятель Моцарта был большим шутником. Решив разыграть Моцарта, он
послал ему огромный сверток, в котором не было ничего, кроме оберточной бумаги и маленькой
записки: "Дорогой Вольфганг! Я жив и здоров!" Через несколько дней шутник получил огромный
тяжелый ящик. Открыв его, он обнаружил большой камень, на котором было написано: "Дорогой
друг! Когда я получил твою записку, этот камень свалился у меня с сердца!"
За свою короткую, но плодотворную жизнь Моцарт
написал свыше 600 произведений.
В самом центре Зальцбурга находится дом, в котором
жили Леопольд Моцарт и его жена Мария Анна. 26 лет семья
Моцарт занимала небольшую квартиру: кухня, небольшой
кабинет, спальня, гостиная на третьем этаже. Здесь родились их 7
детей, но лишь двое из них остались в живых: Мария Анна (1751)
и Вольфганг Амадей ( 27 января
1756).Оба ребенка имели в лице
своего отца прекрасного учителя, самым большим стремлением
которого было содействовать их талантам и развивать их.
Музей был открыт 15 июня 1880г. и сейчас занимает три этажа.
Здесь можно полюбоваться клавикордами, на которых играл гаммы
юный Моцарт, его детская и концертная скрипки, альт. Также
представлены семейные портреты, письма, партитуры, эти реликвии
произведут большое впечатление на поклонников Моцарта.
• При подготовке и проведении занятий можно использовать текст сказки Геннадия
Цыферова «Тайна запечного сверчка».
• Фрагменты из произведений В.А. Моцарта: Симфония №40, «Рондо в турецком
стиле», пьесы «Колыбельная», «Весенняя» и др.
25
В стране музыкальных инструментов.
АНТИЧНЫЕ МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Лира и кифара
Греческие лиры. У лиры (1) — чашеобразный резонатор, покрытый панцирем черепахи.
По
греческой мифологии, первую лиру изготовил Гермес, вестник богов, из черепашьего
панциря.
Лира была по преимуществу любительским инструментом. Профессиональные музыканты
предпочитали кифару (2) — более сложный инструмент с большим прямоугольным
резонатором из дерева. Бог Аполлон часто изображается играющим на кифаре, символе
гармонии. Именно кифара, а не лира, была позднее заимствована римлянами.
Лира — это струнный инструмент с четырехсторонней рамой, состоящий из резонатора,
двух ручек и перекладины. Струны закрепляются на передней поверхности резонансного
корпуса и через подставку идут к перекладине. Лиры впервые были изображены в
шумерском искусстве примерно в 2800 г. до н. э., но скорее всего они еще более древние.
Лира была популярна в Древнем Египте, но сейчас ее обычно ассоциируют с музыкой
Древней Греции.
Арфа
Ведущими музыкальными инструментами Древней Греции были струнные - лира
и кифара. Греческая лира устроена предельно просто: это деревянная фигурная рама, на
которой вертикально натянуты струны (как правило, не больше четырёх;). Кифара во
многом схожа с лирой, но у неё есть плоский резонатор, а число струн может доходить до
восемнадцати. Звучание кифары, по мнению греков, пробуждало в слушателях
возвышенные чувства - не случайно самым искусным исполнителем на ней считался бог
Аполлон. Широко распространены были и духовые инструменты. О происхождении
флейты рассказывает древнегреческий миф. Изобрела этот инструмент богиня Афина.
Однако, увидев, как безобразно раздуваются щёки при игре, Афина бросила флейту и
наложила проклятие на каждого, кто прикоснётся к ней. Флейту подобрал сатир Марсий и
выучился играть. Для истории музыки особенно интересен финал сказания. Марсий достиг
необычайного мастерства и вызвал на состязание самого Аполлона. Бог, игравший на
кифаре, победил и в наказание за дерзость подверг Марсия мучительной казни. Так кифара
и флейта - струнный инструмент и духовой - оказались противопоставлены друг другу.
Причём кифара олицетворяла божественное вдохновение, а флейта - земное начало.
Звучал в Древней Греции и авлос - духовой инструмент, звук из которого извлекался через специальную
пластинку-язычок, вставленную в отверстие. Исполнитель, надавливая на язычок губами, регулировал громкость и
даже менял тембр звука.
Говорят, в Древней Греции звуки духового музыкального инструмента авлоса применялись как
анестезирующее средство во время хирургических операций.
Авлос
Авлос — наиболее распространенный в древней Греции духовой музыкальный инструмент,
состоящий из цилиндрической или слегка конической трубки с пятью отверстиями и
насадки с двойным язычком. А. обладал острым и резким звуком и часто использовался в
оргиастической музыке культа Диониса. Обыкновенно исполнитель играл одновременно на
двух Авлосах.
Аполлон - бог музыки, исцеления от болезней,
Орфей · сын бога Аполлона и музы Каллиопы. Орфей славился как
певец и музыкант, наделенный магической силой искусства, которой
покорялись не только люди, но и боги, и даже природа. Он участвует в
походе аргонавтов, игрой на форминге и молитвами усмиряя волны и
помогая гребцам корабля "Арго". Его музыка успокаивает гнев
мощного Идаса. Орфей женат на Эвридике и, когда она внезапно
умерла от укуса змеи, отправляется за ней в царство мертвых. Пес
аида Цербер, эринии, Персефона и Аид покорены игрой Орфея.
26
1. Древнегреческая музыкально-поэтическая культура
Из всех древних государств, расположенных вокруг Средиземного моря, наибольшее значение в дальнейшем
развитии художественной культуры выпало на долю древней Греции. Древнегреческая культура восходит к 3
тысячелетию до н.э. На острове Крите и в городе Микенах обнаружены роскошные гробницы, золотые и серебряные
украшения, красиво отделанное оружие, много сосудов из глины с замечательной многоцветной росписью. Стены
помещений разукрашены картинами из народной жизни. Здесь можно было встретить изображения хороводных
танцев, сопровождаемых пением, игрой на музыкальных инструментах: лире, цитре.
Музыка Античности
Музыка Древней Греции сохранилась в немногочисленных фрагментах, которые представляют собой
надписи, высеченные на каменных колоннах и гробницах. Для музыкального письма использовали буквы греческого
и финикийского алфавита. Однако судить о древнегреческой музыкальной культуре можно не только по этим
фрагментам, но и по произведениям изобразительного искусства (например, на античных вазах встречаются
изображения музыкальных инструментов) и литературы. Сохранились трактаты, посвящённые музыке. Немало
интересных сведений можно почерпнуть и из мифологии. Так, сказания о певце и музыканте Орфее повествуют о
волшебной силе музыки: Орфей своим искусством покорял не только людей, но и богов и даже природу. Мифы
объясняют происхождение некоторых музыкальных инструментов.
Музыка играла важную роль в жизни древних греков. Она звучала во время бракосочетаний, застолий,
войн, похорон, была неотъемлемой частью религиозных праздников и театральных представлений.
В древнейшие времена певцы и музыканты не имели профессионального образования
Сохранилась легенда о философе, математике и музыканте Пифагоре (VI в. до н. э.), который песней усмирил юношу,
собравшегося поджечь дом, где была заперта его возлюбленная.
Пифагор и его последователи создали даже особое учение, согласно которому музыка может управлять
душой человека, пробуждая в ней добро или зло.
Музыке приписывали и целебные свойства. По преданию, поэты и музыканты с помощью музыки спасали
людей от тяжёлых болезней.
АНТИЧНЫЕ ТАНЦЫ
Если в первобытном обществе участие в ритуальных танцах было стихийно всеобщим, то в античном мире
возникает разделение на участников и зрителей, свободных в своем желании - танцевать или не танцевать, смотреть
или не смотреть. В Греции танец начинает приобретать даже некое сходство со спортом, с чистым культом красивого
тела..
Какое огромное место в жизни Греции занимал танец - хорошо известно; многие писатели античности
посвятили ему многие страницы и целые трактаты; бесчисленны изображения танцующих в скульптуре и в вазовой
живописи.
Эвритмией пронизана вся жизнь Греции: "Гребцы на галере гребут в лад, следуя ритму флейты, рабочие
работают под звуки дудок, оратор скандирует фразы, сопровождая их ритмическими жестами, - все они танцуют в том
широком смысле слова, который придавали ему греки!
Итак, в Греции танцевали все: от крестьян до Сократа. Танцы не только входили в число образовательных
дисциплин, но им охотно продолжали обучаться и взрослые люди, полноправные граждане.
Все танцы античности исполнялись для зрителей, а не для удовольствия попрыгать и не для собственного
развлечения. Это, однако, не опровергает того, что некоторой танцевальной техникой обладали все граждане
греческой общины. Предполагается, что общее количество древнегреческих танцев благополучно переваливает за две
сотни. Условно классифицировать их можно по пяти группам:
- воинственные танцы - ритуальные и образовательные;
- культовые умеренные - танец покрывал и танцы кариатид, а также танцы при рождении,
свадебные и погребальные;
- оргиастические танцы;
- танцы общественных празднеств и театральные;
- танцы в быту.
"Пирр" - это почти что война. К самым ярким воинственным танцам принадлежит уже упоминавшийся выше
пиррийский танец ("пиррихий", "пирриха"). Пиррихий родился в Спарте. Ему начинали обучаться уже в пять лет. По
сути пирриха - это виртуозный танец с мечами и щитами. Пирриха входила в число излюбленных пиршественных
развлечений, особенно когда она исполнялась танцовщицами. Одеждой для таких танцев служили обтяжные трусы,
юбочки или длинные шаровары (для женщин). Верхняя часть тела у представителей обоих полов чаще всего
оставалось обнаженной.
Первые пуанты
Эммелия представляет собой очень размеренный танец в медленных ритмах, типа хороводов. Танец покрывал и танец
кариатид более оживленные. Кариатиды и есть те самые танцовщицы, которые впервые применили в своих плясках
27
технику танцевания на "пуантах" - вероятно, именно о кариатидах идет речь в упоминании о храме Артемиды
Эфесской, при котором существовали особые союзы танцовщиц, носивших название akrobatai и специальностью
которых было "танцевание на пуантах". Да, пуанты в античности применялись, но они не были похожи на
современные. Античные пуанты - это стойка на очень высоких полупальцах, на концах пальцев, но босиком, без
какой-либо специальной обуви. На таких "цыпочках" танцевали и мужчины.
Остановимся подробнее на такой разновидности их танцевального искусства, как акробатические танцы.
Кубики
Археологические раскопки на Крите снабдили нас многочисленными изображениями обнаженных акробатов
в коротких критских передниках, перепрыгивающих через спину быков, иногда держась за рога, иногда делая так
называемый "каскад": отдавшись руками от спины быка, акробат перекидывается через него, делая в воздухе поворот
вниз головой. "Человек, танцующий на быке" - так просто и сложно.
В самой Греции на быках не танцевали, но очень любили танцевать на руках, особенно женщины. Их
называли кубистеры ("кубистика" - пляска на руках в самых различных позах). В дошедших до нас изображениях
кубистеры иногда перекидываются через голову, упираясь руками в землю, то есть делают акробатический
фордершпрунг или флип-фляп; иногда они изображаются в "стойке" на руках, проделывая ногами всякие трюки:
стреляют из лука, черпают вино и т.д. Ксенофонт в "пире" говорит об акробатке, которая бросается на руки в середину
круга, образованного торчащими вертикально обнаженными мечами; чтобы выйти из круга, она проделывает прыжок
в обратном направлении через этот смертоносный барьер.
Мина мима
Характерные черты виртуозного танца мимов:
- техника построена на выворотности ног;
- практиковались танцы на пуантах и разнообразные прыжки;
- излюбленная манера - резкий поворот корпуса в перпендикулярную ногам плоскость;
- для танцовщиц типичны акробатическая кубистика и виртуозная пирриха;
- популярны танцы с кубками и корзинами;
- характерным приемом в греческих танцах является отгибание кисти руки под прямым углом вверх.
У греков существовала также целая система, сложная техника игры руками в танцах - хирономия. Руки всегда
говорили и часто на языке условном, ключ к которому, к сожалению, сегодня потерян.
Священные оргии
Ритуальные танцы в Древней Греции весьма разнообразны.
Так и в Греции существовало два основных танцевальных культа: "светлый" в честь бога Аполлона и "темный" в
честь бога Диониса. Остатки древнегреческих ритуальных танцев в честь Аполлона и других светлых богов мы до сих
пор можем наблюдать в обыкновенном детском новогоднем хороводе. Ведь именно детские игры загадочным образом
хранят наиболее древние магические обряды, лишь трансформированные в сугубо развлекательную форму. В данном
случае предметом поклонения сегодня оказалась не статуя божества, а еловое дерево. Корневая связь этих обрядов
уходит в глубокую древность, когда было принято проводить ритуальное очищение перед наступлением Нового Года.
Танцы в те отдаленные времена, надо полагать, являлись действительно могущественной силой. К ним
прибегали, желая умилостивить сильных мира сего, испросить помилования осужденным, добиться какой-либо иной
милости свыше.
Сиртаки
В Константинополе во время византийского периода танец Нasapiko (танец мясников) был официальным
танцем гильдии мясников и был известен под названием Makellarikos - по-гречески "мясник". Танец оставался
популярным долгие годы в Константинополе и западной Азии до 1922, когда он был поглощен музыкой rembetika и
потерял греческий характер. Вариант танца стал популярным среди моряков и исполняется ими в портах под
названием "Naftiko" (похож на русский танец - "Яблочко"). Нasapiko, танец афинской части Греции,один из танцев,
послуживших базой для создания сиртаки. Из него в сиртаки вошли некоторые движения, похожая музыка, движения
в линию, количество участников - в том и другом танце минимальное число - три человека.
История сохранила имя изобретателя танца, подлинные события, приведшие к танцу, который сейчас
ассоциируется с Грецией. В 1964 году снимался фильм "Грек Зорба", главную роль в котором играл актер Энтони
Куин, стопроцентный американец.
28
Балалайка
Не одну сотню лет известна на Руси балалайка. В XVIII-XIX веках
она, пожалуй, была самым распространенным народным инструментом. Под
нее плясали во время праздников, пели песни. Про нее складывали сказки. И
само название "балалайка" от старорусского слова балакать, балаболить говорить, так как ее звучание похоже на человеческий голос.
Балалайка - струнный щипковый инструмент, родственница гитары,
лютни, мандолины. У нее деревянный треугольный или сферический корпус и
длинный гриф, на котором натянуто три струны. Извлекается звук щипками
или так называемыми "бряцаниями" - ударом указательного пальца по всем
струнам сразу.
Немногим более ста лет тому назад на балалайку обратил внимание
Василий Васильевич Андреев -- организатор и руководитель первого оркестра русских народных
инструментов, ныне -- Оркестр народных инструментов имени В.В. Андреева. По его указаниям
инструментальные мастера произвели изменения в ее конструкции, а кроме того создали целое
семейство балалаек которые в зависимости от размеров получили названия "пикколо", "прима",
"секунда", "альт", "бас", "контрабас". На балалайке новой конструкции Андреев играл, выступал с
сольными концертами в России и за рубежом.
Домра
Домра - древнерусский старинный музыкальный инструмент.
Этимологические разыскания в родственных славянских языках
показывают, что термин "домра" не славянского происхождения, т.к.
подобные корни в них отсутствуют. Вероятно, слово "домра"
тюркского происхождения (танбур, домбур, дунбара, думбра, домбра,
домб, домра).
Учёные предполагают, что древним предком нашей русской
домры явился египетский инструмент, получивший у греческих
историков наименование «пандура», и бывший в употреблении уже за
несколько тысячелетий до нашего времени. Инструмент этот под
названием «танбур», возможно, проник к нам через Персию,
торговавшую с Закавказьем.
У разных народов до сих пор бытуют инструменты близкие домре: у грузин – чунгури и
пандури, у южных славян – танбура, у украинцев – бандура, у туркменов – дуатар, у монголов –
домбур, у киргизов и татар – думра, у остяков – домбра, у калмыков – домр. В Европу подобные
инструменты проникли в раннем средневековье и получили наименование лютневых. Именно
лютня стала впоследствии родоначальницей таких многострунных инструментов, как виола,
мандолина, гитара.
Первые сведения о бытовании у древних русов музыкального инструмента
танбуровидного типа принадлежат перу арабских путешественников IX -X столетий. Не
располагая однако, прямыми указании на то, что речь идёт о домре, можно выдвинуть гипотезу о
наличии такого инструмента у восточных славян.
Первым русским историческим письменным свидетельством о домре можно считать
запись в старинной новгородской книге конца XV - начала XVI веков о Калинке - "домрачее". В
переписных документах этого периода профессии "домрачей" и "доморник" встречаются
неоднократно.
Непосредственное название инструмента обнаруживается только в памятниках XVII
столетия. В 1627 году русский живописец Симон Ушаков составил описание древней стенной
росписи Грановитой палаты московского Кремля (сооружение которой относится к 1487-1491 гг.).
В описании Ушаков дважды упоминает название инструмента: "человек играет в домру" и "сидят
подле стола на скамье люди и играют в гусли и в скрипки и в свирели и в волынки и в домры".
Неоднократны упоминания о домре в административной документации XVII века: в
указах, грамотах, памятях, посланиях. В них домра фигурирует как атрибут скоморошьего
ремесла, обычно в совокупности с другими инструментами: гуслями, волынками, сурнами,
бубнами и т.д.
29
К тому же времени относятся поговорки "рядъ скомрахъ о своихъ домрахъ". "любить игра, купить - домра", " у Ерёмы гусли, у Фомы домра". Они дают повод предполагать, что
ударение в названии инструмента падало на последнюю "а".
Итак, в разных литературных источниках русского происхождения фигурирует слово
"домра". Помимо того мы располагаем вариантами названий "домришка", "домра большая
басистая". Вероятно употреблялись и другие: альтовые, теноровые домры.
Основываясь на материалах можно прийти к выводу о популярности домры не только в
народной среде, но и в дворцовом быте XVII в. В царствование Михаила Фёдоровича при
дворцовой потешной палате рядом с гусельниками и бахарями состояли домрачеи. Неоднократно
упоминаются такие имена, как Богдан Путята, Андреюшка Фёдоров, Васька Степанов и др.
Главными исполнителями на домрах были скоморохи и были они не только музыкантами,
но и актёрами, плясунами, акробатами и балагурами. (Само слово "скоморох" происходит от
арабского "maskhora" - смех, насмешка.) В Древней Руси центром поселения скоморохов стал
Великий Новгород. Представители этой профессии пользовались в "вольном" городе большой
честью.
Скоморохи были главными зачинщиками песен и плясок. Своим весельем и "гудьбой"
они не только развлекали народ, но и заставляли подражать себе. Потому, при царствовании
Алексея Михайловича прозванного "тишайшим" по инициативе патриарха начались гонения на
певцов и скоморохов.
Аскетичные византийцы считали, что русские очень любившие пение и музыку, стали
злоупотреблять этим искусством, распевая разного рода "скандалезные песни". Музыка и её
орудия признавались "треклятыми изобретениями дьявола", музыкант считался прямым слугою
сатаны и назывался "шпынь".
Начиная с 1648 года последовал ряд царских указов, запрещавших инструментальную
музыку. В Москве было приказано собрать все инструменты и когда их собрали, то нагрузив ими 5
возов свезли за Москву-реку и там сожгли. С тех пор первенствующее значение при дворе
приобретают певцы духовных стихов.
Несмотря на довольно частые упоминания о домре до нас не дошло изображения этого
инструмента. Потому долгое время не знали к какому роду инструментов её отнести. Лишь в
конце прошлого века в Вятской губернии был найден небольшой струнный инструмент с округлой
формой корпуса. Инструмент вскоре попал в руки Василия Васильевича Андреева как раз в ту
пору занимавшегося поисками и восстановлением сохранившихся в народе образцов старинных
русских инструментам.
Андреев, путем сличения найденного инструмента с изображениями на старинных
лубочных картинках и гравюрах, а также по описанию, предположил в нем давно разыскиваемую
домру. Именно по этому вятскому образцу в 1896 году и была воссоздана полузабытая русская
домра, получившая квартовый строй и полный хроматический звукоряд. В 1896-1900 гг. на основе
этой домры В.В. Андреев в содружестве с Ф.С. Пасербским и С.И. Налимовым создал целое
семейство домр от пикколо до контрабаса.
В 1908 году Г. П. Любимов совместно с мастером С. Ф. Буровым на основе
реконструированной Андреевым домры создал четырехструнную домру с квинтовым строем. В
1914 г. из таких домр был организован квартет, а в 1919 г. - оркестр. Появление этого инструмента
вызвано возросшей необходимостью в увеличении звукового диапазона домры. Общность строя
конструкции с мандолиной и скрипкой делает доступным для нее громадный репертуар,
написанный для этих инструментов.
Звук четырехструнной домры сравнительно более слабый, что вызвано конструктивными
особенностями многострунных инструментов, потому в настоящее время в балалаечно-домровых
оркестрах употребляются преимущественно трехструнные домры, хотя нередки и
четырехструнные. Наибольшей популярностью четырёхструнные домры пользуются на
территории Украины.
Благодаря своим исполнительским возможностям домры в оркестре составляют
основную мелодическую группу. Кроме того домра находит своё применение как сольный
инструмент. Для неё пишут концертные пьесы и произведения. К сожалению, в качестве
30
народного инструмента в России и Украине домра не пользуется особой популярностью, в
деревнях она почти не встречается.
Баян
В середине прошлого века во многих странах, прежде всего
европейских, очень быстро стала распространяться гармоника. Этот
инструмент в различных странах развивался с учетом национальной
музыкальной специфики и, в каждом отдельном случае, стал считаться
принадлежностью данной страны. Так, в Англии это - концертина, в
Австрии - аккордеон, в Германии - банданеон, в России - баян.
Все названые разновидности отличаются друг от друга формой,
размером, клавиатурой, диапазоном, конструкцией, но, тем не менее, их объединяет общий
родовой признак: они относятся к так называемым клавишным духовым инструментам. Все они гармоники.
Баян, наиболее совершенная хроматическая гармоника. Изобретена в России. Названа по
имени древнерусского певца сказателя Баяна (Бояна). Используется как сольный и ансамблевый
инструмент. Входит в оркестр русских народных инструментов.
Баян - один из наиболее совершенных из существующих в настоящее время
хроматических гаpмоник. Впервые название "баян" встречается в афишах и рекламах начиная с
1891 года. До этого времени подобный инструмент назывался гармоника.
Гармоника произошла от азиатского инструмента, который назывался шен. Шен в России
был известен очень давно, в X-XIII веках в период татаро-монгольского владычества. Некоторые
исследователи утверждают, что шен прошёл путь из Азии в Россию, а затем в Европу, где был
усовершенствован и стал распространенным, подлинно популярным во всей Европе музыкальным
инструментом - гармоникой.
В России определённым толчком в распространении инструмента явилось приобретение
Иваном Сизовым на Нижегородской ярмарке в 1830 г. ручной гармоники, после чего он решил
открыть гармонную мастерскую. К сороковым годам XIX века появилась в Туле первая фабрика
Тимофея Воронцова, которая выпускала 10000 гармоник в год. Это способствовало самому
широкому распространению инструмента, и к середине XIX в. гармоника становится символом
нового народного музыкального инструмента. Она обязательная участница всех народных
празднеств и гуляний.
Если в Европе гармонику делали музыкальные мастера, то в России, наоборот, гармоника
создавала из народных умельцев мастеров. Потому в России, как ни в какой другой стране такое
богатство чисто национальных конструкций гармоники, отличающихся не только формой, но и
разнообразием звукоряда. Репертуар, например, саратовской гармоники невозможно исполнить на
ливенки, репертуар ливенки на бологоевке и т.д. Название гармоники определялось местом, где ее
сделали.
Первыми на Руси стали изготавливать гармошки тульские кустари. Их первые
ТУЛЬСКИЕ гармошки были всего с одним рядом кнопок на правой и левой руке (однорядки). На
той же основе стали развиваться модели очень маленьких концертных гармоник - ЧЕРЕПАШЕК.
Очень звонкие и голосистые они производили впечатление на публику, хотя это и был более
эксцентрический номер, чем музыка.
Появившиеся вслед за тульскими САРАТОВСКИЕ гармошки конструктивно ничем не
отличались от первых, но саратовские мастера смогли найти необычный тембр звучания, добавив
в конструкцию колокольчики. Эти гармошечки приобрели в народе большую популярность.
Вятские кустари расширили диапазон звучания гармошек (добавили кнопок в левую и
правую руку). Изобретенный ими вариант инструмента получил название ВЯТСКОЙ гармони.
Все перечисленные инструменты имели особенность - одна и та же кнопка на разжим и
сжим мехов издавала разные звуки. Эти гармони имели одно общее название - ТАЛЬЯНКИ.
Тальянки могли быть с русским или немецким строем. При игре на таких гармошках нужно было
прежде всего владеть техникой игры мехами, чтобы правильно вывести мелодию .
Проблему решили ЛИВЕНСКИЕ кустари. На гармонях ливенских мастеров звук не
менялся при смене меха. Гармошки не имели ремней, которые перекидывались через плечо. С
правой и с левой стороны короткие ремни обхватывали кисти рук. У ливенской гармошки меха
31
были невероятно длинными. Такую гармошку можно было буквально обмотать вокруг себя, т.к.
при полном растяжении меха ее длина достигала двух метров.
Следующим этапом в развитии гармони были двухрядные гармошки, конструкция
которых пришла в Россию из Европы. Гармонь-двухрядку можно было бы еще назвать и
"двухзвукорядной", т.к. за каждым рядом кнопок в правой руке закреплялся определенный
звукоряд. Такие гармошки получили название РУССКИЕ ВЕНКИ.
В настоящее время все перечисленные выше гармошки - большая редкость. Примерно с
50-х годов XX века тальянки были практически вытеснены хромками. Хромки могут быть
"порядковыми" или "непорядковыми". У непорядковых гармошек с левой стороны не три, а два
ряда кнопок (отсутствует вспомогательный ряд). И все же этот инструмент был еще очень далек
от баяна.
Баян своим появлением обязан талантливому русскому мастеру - конструктору Петру
Стерлигову. Хроматические гармоники (впоследствии баяны) Стерлигова, начиная с 1905 по 1915
г. столь быстро совершенствовались, что и сегодня по их последним образцам делаются
фабричные инструменты.
Сделал популярным этот инструмент выдающийся музыкант - гармонист Яков
Федорович Орланский-Титаренко. Мастер и виртуоз назвали инструмент в честь легендарного
русского музыканта, сказителя и певца Бояна — «баяном». Было это в 1907 году. С той поры и
существует на Руси баян — инструмент ныне настолько популярный, что нет нужды говорить о
том, как он выглядит.
В последние годы некоторое распространение получил "выборный" баян. Особенность
его заключается в том, что в клавиатуре левой руки нет "готовых" аккордов. Это заметно
расширяет музыкально-исполнительские возможности инструмента, но в то же время очень
усложняет технику игры.
В наше время композиторы пишут для баяна оригинальные произведения вплоть до
сочинений крупных форм сонат, концертов. В музыкальных учебных заведениях существуют
классы игры на баяне, в которых готовят квалифицированных баянистов. Фабрики выпускают
большое количество гармоник и баянов разных систем. И при всем том баян остается народным
инструментом, на котором играли и продолжают играть народную музыку.
Бубен
Бубен - музыкальный ударный инструмент в виде
неширокой круглой деревянной обечайки, с натянутой на одной
стороне
кожаной
мембраной.
Иногда
внутри
обечайки
подвешиваются бубенчики и колокольцы, а в прорези стенок
вставляются бряцающие металлические пластинки.
Распространен бубен у многих народов: узбекская дойра;
армянский, азербайджанский, таджикский дэф; шаманские бубны с
длинной ручкой у народов Сибири и Дальнего Востока. О
шаманских бубнах можно прочитать на разных сайтах, хотелось бы рассказать о истории бубна на
Руси.
Бубен известен восточным славянам с древнейших времён. Особенно широко они
применялись в ратном деле и у скоморохов. В прежние времена бубном называли ударные
инструменты, на которых натянута кожа. Возможно, когда в русских летописях встречается
название "бубен", под этим следует разуметь инструмент, который позже стал называться
"барабаном".
Одно из описаний бубна вместе с трубами в качестве военно-музыкального инструмента
относится к X в. (960-е годы) и включено в описание похода князя Святослава Игоревича. Число
бубнов в войске определяло его численность. Бубен служил знаком командного достоинства,
исполнители на бубнах находились в непосредственном распоряжении начальников отрядов.
Бубен ратный представлял собой котёл с натянутой кожаной мембраной. В древности
удар по мембране производился с помощью вощаги - колотушки в виде кнута с плетённым шаром
на конце. Ратные бубны применялись как пехотой, так и конницей. Известны разновидности
ратных бубнов: тулумбас и набат.
32
Предполагают, что русские набаты были огромных размеров, для их перевозки
использовалось 4 лошади. А звук, точнее грохот, извлекали одновременно 8 набатчиков. При
помощи условных сигналов бубнов в русской рати осуществлялась звуковая связь, подавались
разные команды. Во время боя ударные инструменты объединялись с трубами и сурнами и
создавали устрашающий врага грохот.
В более поздние века бубном широко пользовались скоморохи и медвежьи повадыри.
Скомороший бубен похож на современный инструмент. Он представляет собой неширокую
деревянную обечайку круглой формы с натянутой на одну сторону кожаной мембраной и
подвешанными с внутренней стороны бубенчиками и колокольчиками. Ударяли по мембране
пальцами, кистью. Бубнисты в то время играли в ансамбле с балалаечниками или гармонистами, а
иногда просто аккомпанировали пению лихих песен.
Кроме того бубен использовался как сольный инструмент. Вот как описывали игру на
этом инструменте: "Народные виртуозы при игре на бубне выделывают разные фокусы,
подбрасывая его и схватывая на лету, бьют бубном то по своим коленкам, то ударяя по голове,
подбородку, даже по носу, барабанят по бубну кистью рук, локтём, пальцами, делают тремоло и
вой, проводя по коже большим пальцем правой руки и прочее".
Бубен был распространён на Украине и в Белоруссии, применяясь чаще в танцевальной
музыке. Инструмент этот изредка встречается в руках народных музыкантов и в наши дни, но
основное своё применение он нашёл в оркестрах русских народных инструментов.
Жалейка
Духовой инструмент из дерева или тростника. Нижний
конец цилиндрической трубки вставляется в раструб из коровьего
рога или бересты. В боковых стенках трубки имеется несколько
отверстий. Зажимая их пальцами можно извлекать звуки различной
высоты. Тембр жалейки пронзительный и гнусавый.
Слово "жалейка" не встречается ни в одном древнерусском
памятнике письменности. Первое упоминание о жалейке есть в
записях А. Тучкова, относящихся к концу XVIII века. Есть основание предполагать, что жалейка
присутствовала до этого в облике другого инструмента.
В ряде областей жалейку, как и владимирский рожок, называют "пастушеским рожком".
В результате, когда в письменном источнике говорится о "пастушеском рожке" мы не можем
точно знать о каком инструменте идёт речь.
Происхождение слова "жалейка" не установлено. Некоторые исследователи связывают
его с "желями" или "жалениями"- поминальным обрядом, который включает в себя в некоторых
местностях игру на жалейке. Для изучения вопроса о времени возникновения у русских традиции
игры на жалейки полезным может оказаться инструмент с названием "пищики", широко
распространённый в южно-российских областях.
Жалейка бывает двух разновидностей - одинарная и двойная (двухствольчатая).
Одинарная жалейка представляет собой небольшую трубочку из ивы или бузины длиной от 10 до
20 см, в верхний конец которой вставлен пищик с одинарным язычком из камыша или гусиного
пера, а на нижний надет раструб из коровьего рога или из бересты. Язычок иногда надрезают на
самой трубочке. На стволе есть от 3 до 7 игровых отверстий, благодаря чему можно менять высоту
звука.
Звукоряд инструмента диатонический, диапазон зависит от количества игровых
отверстий. Тембр жалейки пронзительный и гнусавый, печальный и жалостливый. Использовался
инструмент как пастушеский, играли на нём наигрыши разных жанров в одиночку, дуэтом,
ансамблем.
Двойная жалейка состоит из двух одинаковых по длине трубочек с игровыми
отверстиями, сложенными рядом и вставленными в один общий раструб. Число игровых
отверстий у парных жалеек различно, как правило на мелодической дудочке их больше, чем на
вторящей.
Играют на обеих дудочках одновременно, извлекая звук либо из обеих сразу, либо из
каждой дудочки отдельно по очереди. Парные жалейки используются для одноголосной и
33
двухголосной игры. Одинарные жалейки распространены главным образом в северных областях
России, а парные - в южных.
В Тверской губернии пастухи выделывали жалейки из ивы, по местному бредины, потому
жалейки там стали называться "брёлками". Весь корпус брёлки состоял из дерева, отчего и звук у
неё получался более мягкий.
В 1900 г. В. В. Андреев ввел в состав своего оркестра жалейку усовершенствованного
образца, названную им брёлкой. Своим внешним видом эта жалейка похожа на народную, она
имеет двойной язычок гобойного типа. Кроме обычных игровых отверстий, у нее есть
дополнительные, с клапанами, которые позволяют получить хроматический звукоряд.
Когда-то жалейка была широко распространена по России, Белоруссии, Украине и Литве.
Сейчас её можно увидеть, пожалуй, только в оркестрах русских народных инструментов.
Гусли клавишные
Давным-давно появились они на свет. Исполнитель - гусляр
клал свой инструмент на колени и, перебирая струны, пел песни,
сказывал былины. Это были "гусли звончатые". Никто не знает,
когда появились они на Руси. Ещё легендарный Баян, певший славу
князьям в "Слове о полку Игореве" был гусляром.
В XVII веке появились другие, более совершенные гусли, с
большим, чем у звончатых, количеством струн. Их называли тогда
"столовыми" (сейчас - "настольными"). Звук у них был ярче и
сильнее, возможности для исполнителя шире, чем на гуслях звончатых.
Ныне в оркестрах и ансамблях русских народных инструментов применяются клавишные
гусли, сконструированные Н. Фоминым в начале нашего века. У них больший диапазон,
приятный, полный, насыщенный звук. У русских гуслей много родственников. Это и литовские
канклес, и эстонский каннель, и карельские кантеле...
Свирель
Свирель - русский инструмент типа продольной флейты.
Упоминание о флейтах находят еще в древнегреческих мифах и
легендах. Такой тип инструментов существовал у разных народов с
древних времён. В Европе в придворном музицировании (XVIII в.)
укрепилось
его
название
"продольная
флейта".
На протяжении многих веков конструкция флейты подвергалась
изменениям. Каждая народность вносила в этот инструмент свои
национальные особенности, поэтому у разных народов он имеет свое название. У башкир это
«курай», у узбеков «най», у беларусов «дудка», «флуэр» у молдован, «сотгилка» у украинцев,
«саламури»
у
грузин,
«свирель»
у
русских.
Продольную флейту изготавливали из различных материалов: тростника, глины, кости, дерева,
бамбука, металла и даже из серебра, фарфора и хрусталя. На Руси инструмент изготавливали либо
из куска пустотелого тростника, либо из цилиндрического куска дерева. По преданию, на свирели
играл сын славянской богини любви Лады — Лель. Он делал себе весной свирель из прутиков
березы.
Русская свирель ещё недостаточно изучена. Специалисты давно пытаются соотнести бытующие
свистковые инструменты с древнерусскими названиями. Наиболее часто летописцы употребляют
три названия инструментов такого типа - свирель, сопель и цевница.Слово "свирель" более
древнее, чем "сопель", поскольку оно встречается в общеславянском языке и, следовательно,
существовало еще в эпоху, предшествовавшую разделению этого языка на восточную, западную и
южную ветви. Однако относилось ли такое название к инструменту определенного вида сказать
трудно: в древней Руси "свирцом", "свирянином" называли исполнителя на любом духовом
инструменте, кроме рога и трубы - "трубачея".Итак, традиции игры на свирелях у русских народов
видимо много старше эпохи восточнославянской общности. На раскопках Древнего Новгорода в
1951-1962 годах обнаружены две свирели. Одна из них, датируемая концом XI в., имеет ширину
22,5 см. и 4 игровых отверстия. Вторая свирель относится к началу XV в., она имеет длину 19 см.
и только 3 игровых отверстия.Какова была древнерусская свирель, была ли она парной или
одинарной флейтой, сказать трудно, сведений об этом не сохранилось. Положение усложняется
34
еще тем, что нередко перемешиваются названия сходных инструментов родственных
национальностей: русских, украинцев, белорусов.Н.И.Привалов закрепил название "свирель" за
парной флейтой, потому что так назывался этот инструмент на Смоленщине - основном районе
его бытования. Одинарную свирель в таком случае называют "сопелью". В наше время свирелью
все чаще называют инструмент типа продольной флейты со встроенным в верхнюю его часть
свистковым устройством. Свирель представляет собой простую деревянную (иногда
металическую) дудку. На одном конце её есть свистковое устройство в виде "клюва", а на
середине лицевой стороны вырезаны разное количество игровых отверстий (обычно шесть).
Изготавливается инструмент из крушины, орешника, клёна, ясеня или черёмухи. Двойная свирель
(двойница, двойчатка) состоит из двух однотипных дудок неравномерной длины. Каждая дудка
имеет свистковое приспособление для вдувания воздуха и по три игровых отверстия. Размеры
двойной свирели колеблются в широких пределах. Длина большой дудки 29-47 см, малой 22-35
см.Обычнобольшую дудку держат в правой руке, малую в левой.Объединение двух дудок в один
инструмент даёт возможность исполнения двухголосных мелодий одним игроком. Репертуар
наигрышей на двойной свирели обширен и весьма разнообразен. Двойная свирель
быланеравномерно распространена по Руси.В первые годы нашего столетия В.В.Андреев ввел в
свой оркестр свирели, снабженные клапанной механикой. Инструменты такой конструкции
встречаются и в современных оркестрах народных инструментов.
Трещотки
Трещотки - ударный инструмент, заменяющий хлопки в ладоши.
Употреблялся ли этот инструмент в Древней Руси в качестве музыкального
инструмента письменных свидетельств нет. При археологических
раскопках в Новгороде в 1992 г. были найдены 2 дощечки, которые, по
предположению В. И. Поветкина, входили в комплект древних
новгородских
трещоток
в
XII
веке.
Впервые трещотки как музыкальный инструмент описал Квитка. В. Даль в
толковом словаре объясняет слово "трещотка" как снаряд, устроенный для
того,
чтобы
трещать,
грохотать,
шуметь.
Трещотки использовались в свадебном обряде при исполнении величальных песен с
приплясыванием. Хоровое исполнение величальной песни сопровождается нередко игрой целого
ансамбля, насчитывающего иногда более 10 человек. Во время свадьбы трещотки украшают
лентами, цветами, иногда бубенчиками.Использование трещоток в свадебном обряде позволяет
предположить, что в прошлом этот инструмент кроме музыкальной, выполнял ещё и мистическую
функцию оберегания молодых от злых духов. В ряде деревень до сих пор жива не только традиция
игры, но и традиция изготовления трещоток.Состоят трещотки из набора 18 - 20 тонких дощечек
длиной 16 - 18 см., сделанных обычно из дуба и соединённых между собой плотной верёвкой,
продетой в отверстия верхней части дощечек. Для того, чтобы дощечки вплотную не прикасались
друг к другу, между ними вверху вставлялись небольшие пластинки из дерева шириной
приблизительно 2 см.Трещотку берут за концы веревок в обе руки. От резкого или плавного
движения пластины ударяются друг о друга, издавая сухой, щёлкающий звук. Держат трещотку
обычно на уровне головы или груди, а иногда выше; ведь инструмент этот привлекает внимание
не только своим звуком, но и внешним видом.Существует ещё один ударный музыкальный
инструмент с таким же названием и функциями, но конструкция его отличается от русской
трещотки. Инструмент этот применяется в симфоническом оркестре.
Музыкальные произведения для прослушивания на уроках и во внеклассных занятиях:
Русские народные песни
• «Во кузнице» (оркестр народных инструментов.) Фонохрестоматия Диск № 01
• «Полянка» (оркестр народных инструментов.) Фонохрестоматия Диск № 01
• «Как под яблонькой» (гусли Фонохрестоматия Диск № 02)
Н.А. Римский – Корсаков опера «Садко»
• Песня Садко «Заиграйте, мои гусельки». Фонохрестоматия (кассеты):
• «Тонкая рябина». Вариации на тему русской народной песни (гитара). Фонохрестоматия 4
класс (кассета)
35
36