close

Вход

Забыли?

вход по аккаунту

Петухова Елена Сергеевна. Методические особенности работы гуашью на примере учебного и творческого натюрморта

код для вставки
1
2
3
4
5
6
Содержание
Введение……………………………………………………………………
3
ГЛАВА I. КРАТКАЯ ИСТОРИЧЕСКАЯ СПРАВКА РАЗВИТИЯ
НАТЮРМОРТА В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ……….
1.1.
Становление
жанра
натюрморта.
7
Западно-европейский
натюрморт...............…….................................................................
8
1.2. История русского натюрморта....................................................... 10
ГЛАВА.II...МЕТОДИКА ВЫПОЛНЕНИЯ ТВОРЧЕСКОЙ ЧАСТИ
ВЫПУСКНОЙ КВАЛИФИКАЦИОННОЙ РАБОТЫ………………
21
2.1. Методические основы учебного и творческого натюрморта ….
21
2.2. Методическая последовательность работы над натюрмортом
«Натюрморт с хризантемами » в технике гуаши……….………
ГЛАВА
III.
ДИПЛОМНОЙ
МЕТОДИЧЕСКАЯ
РАБОТЫ
В
36
НАПРАВЛЕННОСТЬ
ЦЕЛЯХ
ПРАКТИЧЕСКОГО 45
ИСПОЛЬЗОВАНИЯ В ШКОЛЕ……………………..........................
3.1. Цели и задачи проведения уроков рисования с натуры в школе 45
3.2. Наглядно-методические пособия по теме: «Живопись
натюрморта»………………………………………………………
48
Заключение………………………………………………………………...
51
Список литературы……………………………………………………….
53
Приложение…………………………………………………………………..56
7
Введение
Натюрморту не нужно пространственной глубины и такой перспективы, как
в пейзаже, так в границах этого сопоставления он может выступать как фрагмент,
выдаваемый за целое. Кажется, что натюрморт существует лишь отраженным
светом окружающего мира. Однако это не так, как не правильно отождествлять
пространство натюрморта с фоном или окружением предметов. Натюрморт - это
взаимоотношение вещей, которые в тесных границах образуют сложную
пространственную композицию «малого мира». Нужно только преодолеть
обыденное
восприятия,
перевести
внимание
с
предметов
на
суть
их
взаимоотношений в картинной плоскости, и тогда драпировки станут облачной
завесой, кубок - подобием колокольчика, ветка будет деревом, поднос - гладью
водоема; глаз пропутешествует по холмам виноградной грозди и темной глубине
бокала найдет в утонувшее окно.... Это значит, что за гранями обычного
существования простых вещей можно увидеть прекрасное!
Актуальность данной работы обусловлена значимостью эстетического и
психолого-педагогического воздействия жанра натюрморта на формирование
личности не только учащегося, но и любого человека.
Исходя из этого, и была определена тема выпускной квалификационной
работы: «Методические особенности работы гуашью на примере учебного и
творческого натюрморта».
Основой обучения изобразительному искусству в общеобразовательной и
художественной школе является
рисование с натуры. На занятиях учащиеся
выполняют различные по сложности и задачам натюрморты.
Процесс обучения изобразительному искусству направлен на формирование
у детей знаний, умений, навыков в реалистическом изображении натуры при
помощи
живописи
и
рисунка.
Задания
преимущественно в технике акварели и гуаши.
по
живописи
выполняются
8
Исторические
аспекты
и
закономерности
композиции
и
живописи
натюрморта изучали: Г.В. Беда, С.М.Даниэль, А.А.Дейнека, А.С. Пучков, А.В.
Триселев, А.Е. Терентьев, А.А. Унковский, Е.В.Шорохов.
В области методики обучения изобразительного искусства большая роль
принадлежит А.Д. Алехину, Г.В. Беда, Э.М. Белютину, В.С. Кузину, Б.М.
Неменскому, Н.Н. Ростовцеву, Н.М. Сокольниковой, Е. В. Шорохову.
Натюрморт на занятиях изобразительным искусством
– это в первую
очередь учебное задание. Как правило, знания, которые получают учащиеся при
работе над учебными натюрмортами, применяются в работе над творческими
заданиями по теме «Натюрморт», в частности, на занятиях по композиции в
художественной школе. Практически все учащиеся справляются с учебным
заданием натюрморта, используя как акварель, так и гуашь. Однако, если перед
учащимися поставить задачу применения гуаши в качестве творческого
материала, то у многих учащихся возникают сложности с выполнением данного
задания. Творческие задания учащиеся воспринимают как задания повышенной
сложности. Таким образом, в реальной практике существует противоречие между
процессом обучения учащихся живописи учебного натюрморта в технике гуаши и
сложностью использования знаний по применению гуашевой живописи в
процессе выполнения творческого натюрморта.
Проблема исследования связана с решением данного противоречия
Цель исследовательской работы состоит в конкретизации методов работы
гуашью в работе над учебным и творческим натюрмортом.
Объект исследования - процесс обучения детей живописи учебного и
творческого натюрморта в технике гуашевой живописи.
Предмет исследования – методические аспекты живописи натюрморта
гуашью.
Гипотеза исследования – процесс формирования знаний, умений и
навыков работы гуашью учащихся в процессе выполнения учебного и
творческого
условий:
натюрморта будет эффективным при соблюдении следующих
9
- педагог обучит учащихся основам техники и технологии гуашевой
живописи на примере натюрморта ;
- процесс обучения живописи и композиции натюрморта в технике гуаши
будет основан на наблюдении натуры, ее творческой интерпретации и анализе
репродукций работ известных художников;
- будет осуществляться последовательный характер освоения учащимися
знаний, умений и навыков в процессе выполнения практических заданий по
живописи учебного или творческого натюрморта.
Задачи исследования:
1.
На основе анализа теоретических источников и произведений
изобразительного искусства изучить особенности развития жанра натюрморта в
истории изобразительного искусства.
2.
изучить методику обучения живописи и композиции натюрморта
и определить значимость жанра для учебного процесса;
3.
изучить методические особенности и этапы работы над живописным
произведением в технике гуашевой живописи;
4.
систематизировать и адаптировать для учащихся методику работы над
учебным и творческим натюрмортом в технике гуашевой живописи.
Методологической базой исследования является:

технологические подходы к организации образовательного процесса
(В.П. Беспалько, В.А. Сластенин),

научные труды в области психологии художественного творчества
(Л.С. Выготский, Д.Б. Эльконин);

теория и методика обучения изобразительному искусству (А. Д.
Алехин, Н. Н. Волков, В. С. Кузин, Б. М. Неменский, Н. Н. Ростовцев,
Н.М.
Сокольникова,
Е.
В.
Б. П. Юсов).
Методы исследования:
- анализ научно-педагогической, искусствоведческой литературы,
- анализ учебных программ по изобразительному искусству,
Шорохов,
10
-наблюдение за творческой деятельностью учащихся,
-изучение результатов творческой деятельности учащихся,
-педагогический эксперимент.
Теоретическая и практическая значимость исследования заключается в
том, что предложенная методика работы в технике гуашевой живописи позволяет
учащимся развить и закрепить полученные знания в практике выполнения
учебного и творческого натюрморта.
Исследование проводилось в несколько этапов:
На первом этапе (2017г.) была определена тема, проблема, объект, предмет
исследования. Изучалась литература по проблеме исследования, а также
проводился анализ учебных программ, методических материалов с целью
выявления
обозначенной
проблемы
на
современном
этапе
обучения
изобразительному искусству в школе.
На втором этапе (2017 - 2018г.г.) были систематизированы сведения по
технике и технологии гуашевой живописи, выявлены методические особенности
работы гуашью, адаптированные для учащихся. Одновременно проводились
композиционные поиски к творческой части дипломной работы.
На третьем этапе (2018г.) был проведен анализ полученных результатов
исследования, завершена работа над теоретической и творческой частями ВКР.
Структура выпускной квалификационной работы:
Теоретическая часть состоит из введения, трех глав, которые содержат
анализ истории развития натюрморта, методические особенности работы гуашью,
описание основных этапов создания творческой части работы.
Творческая часть включает в себя живописную композицию натюрморта
«Натюрморт с хризантемами», выполненный в технике гуашевой живописи,
наброски и зарисовки, графические и живописные эскизы.
Методическая часть содержит методику освоения учащимися знаний
техники и технологии гуашевой живописи в процессе работы над учебным и
творческим натюрмортом, наглядно-методическое пособие: «Основные этапы
выполнения учебного натюрморта в технике гуаши».
11
ГЛАВА
I.
КРАТКАЯ
ИСТОРИЧЕСКАЯ
СПРАВКА
РАЗВИТИЯ
НАТЮРМОРТА В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ
1.1.
Становление жанра натюрморта. Западноевропейский натюрморт
Богат и значителен творческий опыт художников, накопленный в жанре
натюрморта. Натюрморт воздействует на зрителя посредством ассоциативных
чувств, мыслей и представлений, возникающих при восприятии реалистически
изображенных предметов натуры. Изображение предметов такими, какими они
являются в действительности, передача их неповторимости, определенных
живописных качеств является основным условием формирования полноценного
художественного образа в этом жанре.
Искусство натюрморта имеет давнюю историю, сложившиеся веками
традиции. Натюрморт знал периоды расцвета и забвения. Развитие этого жанра
тесно связано с общими тенденциями истории изобразительного искусства.
Большое влияние на развитие жанра натюрморта имели крупнейшие мастера
живописи. Это влияние заключалось в общем воздействии на характер и
стилевые черты натюрморта. К примеру, яркую печать на все творчество
Снейдерса наложили близкие творческие контакты с П.Рубенсом, которые
вместе с тем, и определили стилевые особенности творчества - сочную,
декоративно подчеркнутую живопись. Снейдерса называют часто «Рубенсом в
натюрморте».
Как самостоятельный жанр искусство натюрморта появилось в начале XVIII
в Голландии. Знаменитые голландские натюрморты служат для передачи радости
бытия: при их восприятии, кажется ощущение вкуса напитков, реальных плодов.
Художники изображали вполне обычные вещи, но это было поэтично и очень
красиво. Одни мастера любили натюрморты достаточно скромные по размерам и
содержанию, другие работали на огромных холстах.
Наиболее популярным искусство натюрморта стало в голландском
искусстве на рубеже XVI – XVII в., когда этот жанр достиг наивысшего расцвета
в творчестве таких мастеров, как А. Бейерен, Г. Виллем, П. Клас, И. Фейт,
12
произведения которых сегодня украшают многие крупнейшие музеи мира.
Творчество этих художников развивалось под воздействием искусства эпохи
Возрождения.
Методы и приемы изображения, которые разрабатывались мастерами
Ренессанса в жанре портрета, сюжетно-тематической картины, переносились в
область
жанра
натюрморта.
Именно
здесь
была
разработана
основная
композиционная схема натюрморта с конкретным трехплановым членением
пространства, с наличием ясно выраженного композиционного центра.
По классической схеме построения композиции композиционный центр
должен помещаться на среднем плане; при этом передний план заполняется
дополнительными мелкими предметами, которые служат вводом в изображение.
Роль дальнего или третьего плана играет фон, который необходимо было писать
в виде простого нейтрального пространства.
Изобретенные
голландскими
мастерами
искусства
художественные
принципы во дельнейшем предопредели развитие натюрмортного жанра. Его
основными качествами стали: тонкость наблюдения жизни, реализм, умение
заметить и передать эстетическую ценность простых вещей.
Для создания своих натюрмортов художники подбирали предметы, которые
использовались в повседневном быту, но составляли их с большим вкусом,
стремясь добиться изящества и гармонии всей группы.
Самыми любимыми мотивами в натюрмортах голландских мастеров были
так называемые «завтраки» с небольшим, но отлично продуманным выбором
предметов. С большим изяществом и особым мастерством передавалась
материальность предметов - металл, стекло, керамика. В передаче формы
предметов использовались известные приемы многослойной живописи –
лессировки, прописи, которые позволяли добиваться необходимой предметной
убедительности изображения.
Другой особенностью голландского натюрморта можно считать то, что
мастера смогли наполнить свои произведения смысловым содержанием. В любом
натюрморте голландцев показывается неразрывная связь человека с окружающей
13
действительностью. В этом проявлялось искреннее оптимистическое восприятие
жизни, настоящее желание показать, щедрости природы, талантливость и
трудолюбие человека.
Это радостное ощущение жизни нашло наиболее полное проявление в
творчестве Ф. Снейдерса. Он выполняет большие монументальные полотна,
которые предназначаются для дворцовых парадных помещений. Широко
известны его натюрморты «Мясная лавка», «Рыбная лавка», [Приложение 1.],
«Овощная лавка». Строгая продуманность композиции в работах этого
художника
замечательно
сочетается
с
насыщенностью
колорита,
декоративностью в живописи. Это уже не совсем не те скромные «завтраки»,
которые писали П. Класс или А.Бейерен, а произведения, которые были созданы
при помощи воображения и фантазии художника. Также, как и в других
натюрмортах голландских мастеров, в картинах Снейдерса особое внимание
уделялось передаче материальности предметов, особенной проработке рисунка.
Однако одновременно с тщательностью проработки формы художник не теряет
цельность художественного образа. До наших дней натюрморты Снейдерса нас
радуют реалистическим изображением жизни.
В XVII в. складываются все основные черты натюрмортного жанра. В нем
начинают работать такие известные мастера живописи, как Сурбаран, Рембрандт,
Переда. Их всех объединяет единое стремление: показать гармонию предметного
мира, окружающего человека, неподражаемую красоту материальности и форм
вещей.
Сформулированные
в
практике
работы
художников
задачи
натюрмортного жанра и в дальнейшем существовали, но их решение не
повторяло прошлый опыт, а осуществлялось при помощи новых средств в
соответствии с требованиями конкретного времени.
Значительный вклад в развитие жанра натюрморта внес французский мастер
XVII в Ж.-Б. Шарден, который стал известен в истории мирового искусства как
художник бытового жанра. В своих натюрмортах он изображает скромные
предметы домашнего обихода, придавая им большую одухотворенность в
простых композициях. Выдающимися образцами такого типа натюрморта
14
являются «Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином», «Медный бак».
Классическая ясность и простота композиции отличает натюрморты, которые
были объединены под единым названием «Атрибуты искусства». Характерными
особенностями для живописи Шардена были разнообразие и совершенство
приемов,
которые
художник
использовал
для
передачи
материальности
предметов, их погружения в воздушную среду. Развивая реалистическое
искусство, вместе с чутким колористическим видением натуры Шарден привнес в
жанр натюрморта особую одухотворенность, составляющую отличительную
особенность творчества этого художника.
Но не у всех художников и не всегда показ общественного содержания
жизни при помощи «говорящих вещей» была основной в создании произведения.
Менялись эстетические представления, вкусы, изменялось и отношение к
окружающей действительности. Художники стали замечать в окружающей жизни
другие качества материального мира. Немаловажной задачей становится
изображение среды, в которой расположены предметы, передача воздуха, света,
образов природы.
Сильное влияние на изобразительное искусство начиная с середины XIX в.
стал оказывать импрессионизм. Старым академическим традициям, которые в
время переродились в достаточно условные формы салонного искусства,
художники-импрессионисты
противопоставили
обновленное
понимание
живописи. А. Сислей, К. Моне и другие мастера в своем творчестве
непосредственно обратились к работе над природными мотивами, решая
проблему создания живописного изображения спектральными цветами. Их
главной задачей была передача в картине быстро меняющегося состояния
природы; при этом сам предмет изображения с его конкретными свойствами
потерял былое значение, словно растворился в световоздушной среде.
Живописная система импрессионизма получила наиболее полное проявление в
пейзаже, но затрагивала и жанр натюрморта. Здесь художники, занятые идеей
игры цвета и света, старались передать не основные свойства предмета, а
мимолетные изменения цветовых и световых пятен на его поверхности. Этим
15
можно объяснить заметное снижение интереса к объективной содержательной
стороне
искусства,
и
к
реальной
оценке
действительности.
Безусловно, надо отметить, положительное значение, которое сыграл в искусстве
импрессионизм. Художники за счет обогащения цветовой палитры сильно
расширили свои живописные возможности, используя активно цвет в создании
творческого произведения, его психологические и изобразительные свойства.
При этом развитие жанра натюрморта нужно видеть не в общем движении
импрессионизма, а скорее всего на пути преодоления его узких мест, которые
связаны, в большей степени с разрушением объемной формы. Определенной
реакцией на разрушение импрессионистами формы стало творчество П.Сезанна,
много работавшего не только в области пейзажа, но и в области натюрморта.
Испытав сильное влияние импрессионистов в начале творческого пути, Сезанн
постепенно пришел к логическому отрицанию их принципов. В многочисленных
натюрмортах, создаваемых им в зрелом периоде творчества, художник стремился
найти средства и пути передачи конкретных объективных свойств предмета в его
характеристике: формы, объема, материальности, цветовой устойчивости. Для
решения поставленных задач художник использовал в большей степени
выразительные возможности цвета, в том числе закон цветовых контрастов.
Метод Сезанна был основан на четком определении планов, составляющих
объем, конструкцию формы, в которой каждый мазок-цвет должен был выражать
поворот, изгиб формы в зависимости от количества полученных световых лучей.
В этом аналитическом подходе к изображению натуры состоит основная
особенность живописи мастера. Несмотря на рационализм художника в создании
живописной формы, его стремление к передаче объема и пластики предмета, его
материальной сути являлось главным мотивом в работе над творческим
натюрмортом. В своих лучших произведениях художник показывает глубокое
понимание творческих задач, достигая вершин живописного мастерства.
Другой направленностью французского натюрморта, которая расходилась и
с методом импрессионистов, и с творчеством Сезанна представляло искусство А.
Матисса. Его основу составляло плоскостно-декоративное видение художника.
16
Натюрморт им воспринимался как композиция плоских цветовых пятен, в
которой предметы обозначаются четко очерченными силуэтами, как бы
проецируясь на плоскость. Если Сезанн цвет использует для построения на
плоскости объема, то Матисс, наоборот, полностью отказывается от передачи
объема. Разрушение объема сопровождалось нарочитой деформацией рисунка.
Живописные интересы
композиции.
Матисса
сводились к декоративно
оформленной
17
1.2. История русского натюрморта
Путь натюрморта в русской живописи очень своеобразен. Натюрморт в
России появился не очень давно: в XVIII-XIX веке, а как по-настоящему
полноправный жанр утвердился лишь в начале нашего столетия. Судьба мало
благоприятствовала ему в начале пути его развития. Причины этого имели корни
в общей направленности развития русского искусства. На натюрморт то
появлялась мода, то она пропадала.
В начале XIX века наибольшее распространение получило искусство
любителей. Такой незамысловатый и красивый объект, как фрукты и цветы, стал
самым популярным мотивом у любителей рисования.
Очень изящные, удивительно натуралистические акварельные натюрморты
Ф.Толстого можно считать замечательным примером того, что замечательное
сходство изображения с натурой, которое часто с уничижительным оттенком
называется иллюзорным, совсем не убивает искусства живописи. Четкость и
классическая ясность высокого стиля – все то, что так свойственно скульптуре и
графике Ф.Толстого, живет и в его практически натуральных цветах, ягодах,
веточках (Приложение 1).
И.Ф.Хруцкий - один из самых первых русских мастеров, которые работали
в жанре чистого натюрморта. В истории русского изобразительного искусства он
известен эффектными композициями натюрмортов, в которых предметы
выписаны с иллюзорной точностью. Натюрморты, выполненные мастером в 1830ее гг. - период развития и распространения натюрмортного жанра
в России,
имели оглушительный успех у публики, породив волну подражаний. К 1832 году
относятся первые натюрморты художника - «Натюрморт с вазой» и «Натюрморт
с птичкой», «Фрукты» 1834 г., «Плоды и птичка» 1833 г., «Виноград и фрукты»,
«Натюрморт с яблоками, виноградом и лимоном». Работы отличаются достаточно
простыми композициями. Главное направление творчества И.Ф. Хруцкого этого
периода - натюрморты, которое в официальных документах называлось
«живопись цветов и фруктов».
18
Натюрморт в России XIX века связан в основном с малоизвестными
именами художников. Любовь к натюрморту существовала как бы в стороне от
основных направлений развития русской живописи. В конце XIX века никто даже
не предполагал, что натюрморт сможет вновь подняться на такую высоту, где он
оказался в начале нового века. Бурный расцвет в живописи портрета, а затем и в
искусстве пейзажа поколебал основы академического представления о низших и
высших жанрах искусства. Натюрморт начала выступать как часть широкого
мира, которая вполне равноправно сосуществует с человеком, с природой, но еще
не
имеет
полной
самодостаточности.
Фрагментарная
акцентированная интерьерная или пейзажная среда определяли
такого
«полунатюрморта»
или
натюрморта. Характерными являлись
имперессионистического
композиция,
особенности
«пейзажного»
и названия таких произведений: «За
самоваром», (И.Грабарь), «Рыбы при закате» (М.Ларионов), «Букет роз на берегу
моря» (К.Коровин). Натюрморт на данном этапе очень редко выделяется как
самостоятельный жанр, но шансы существования его рядом с другими жанрами
уже почти уравновешены.
Другой вид «полунатюрморта» - так называемые декоративные панно
Н.Сапунова, например, его «Пионы», «Голубые гортензии». Собственное
натюрмортное начало здесь расплавлено в специфическом композиционном
замысле. Для этого автора важна была стихия цветов, сам процесс цветения. Это
овеществленная мечта о прекрасном в непривычных формах, темой которой
явились цветы, традиционный мотив натюрморта, но лишенный, по большому
счету здесь натюрмортного характера.
В сложном процессе поисков нового в искусстве было плодотворным то,
что наряду с непонятным экспериментаторством в сфере поисков революционных
выразительных средств живописи были истинные таланты. Самые творческие из
них создавали сочные и яркие по форме и содержанию творческие произведения.
На этой почве развилось и выросло своеобразное искусство натюрморта в России,
лучшими представителями которого были И.Грабарь, К.Коровин и др.
Живопись Коровина во всех ее жанровых проявлениях, будь то пейзаж,
19
натюрморт, портрет, несет в себе непосредственное, живое чувство общения с
натурой. В его работах цвет невообразимо подвижно и живо передает состояние
натуры. Налицо проявление всех особенностей пленэрной живописи, с ее
сложным изменчивым, переходом тончайших цветовых тонов. В его творчестве
есть
нечто
особенное,
что
позволяет
сказать
о
дальнейшем
реалистической линии в русской живописи. Это подтверждают
развитии
его работы:
«Гвоздики и фиалки в белой вазе», «Розы и фиалки».
Вдохновляющим началом искусства К.Коровина была натура во всем
богатстве ее проявлений. Темами его натюрмортов были природные формы: рыба,
цветы, овощи, фрукты, все то, что могло передавать живое дыхание жизни. Он
пишет
предметы
в
различной
обстановке,
оптимистическое, абсолютно цельное
каждый
раз
обнаруживая
восприятие окружающего мира. Ему
присущи особые качества живописца: извлекать из палитры такие цветовые
сочетания, с помощью которых он мастерски передает сложные состояния
освещения, нежность и красоту свежих цветов. При этом изображаемые им
предметы не утрачивают своей изобразительной ценности: композиции, рисунка,
передачи объема.
Развивая по большому счету принципы пленэрной живописи, которые были
открыты импрессионистами, Коровин остается
творческой
передаче
природной
формы:
довольно самостоятельным в
цветовые
построения
в
среде
конструировали изображение предмета. Другой важной чертой искусства
К.Коровина было его стремление к картинному видению. Натюрмортам этого
художника всегда была присуща продуманность и строгость композиции. В его
натюрмортах обычно хорошо прочитывается центр композиции, с помощью
которого мы воспринимаем все богатство окружающей среды.
Такое же стремление преодолеть некую ограниченность принципа работы
импрессионистов присуще И. Грабарю. В своих лучших натюрмортах, созданных
в 1905- 1907г.г., он продолжает развивать идею материальности окружающей
действительности. К таким работам принадлежат «Хризантемы», «Неприбранный
стол» (Приложение 1.).
20
В конце XIX - начале XX века художественная культура Западной Европы,
а за ней вслед и России сделала резкий разворот
в сторону формальных
живописных и композиционных средств, а также различных субъективных
поисков в области живописи. Крайним выражением таких исканий были такие
стилевые направления, как фовизм, кубизм, супрематизм.
К жанру натюрморта обращались художники различных стилистических
направлений. Они экспериментировали с пространством, цветом, формой,
увлекались поиском разнообразных фактур. Натюрморты начала XX века
выполнялись и в декоративной манере, и в строгой реалистической.
Значительный вклад в расширение творческих возможностей натюрморта в
России принадлежит мастерам, входившим в объединение «Бубновый валет», Н.Гончаровой, П.П. Кончаловскому, А.В. Лентулову, И.И. Машкову, А.В.
Куприну. Пройдя сложный путь поиска живописной формы, эти художники в
советское искусство пришли уже сложившимися живописцами. Ряд натюрмортов,
которые
были
выполнены
этими
художниками,
свидетельствовали
о
формировании в этом жанре нового содержания.
В 1919 г. И.И.Машков написал «Натюрморт с самоваром» - это
своеобразный образ - представление, который был навеян революционными
изменениями в стране. Художник пытался найти эстетические ценности в
некоторых предметах индустриального производства - железных, чугунных,
медных. Остро и жестко, без конкретизации детальной сущности металлических
предметов он изображает большой набор изделий, объединенных в плотную
монолитную группу. Такой натюрморт вряд ли был бы возможен в другое время,
так метко и остро отражая современность.
Проходит время, экономическое положение в стране стабилизуется после
революции. Вместе со всем народом этот подъем переживают художники. И. И.
Машков создает лучшие свои натюрморты «Снедь московская. Мясо, дичь»,
«Снедь московская. Хлебы». В натюрмортах художника 20 - 30-х годов нашли
отражение лучшие черты таланта Машкова: полнота выражения темы, реализм
его изобразительного языка, чуткость наблюдения жизни.
21
Таким же заинтересованным и позитивным отношением к окружающей
действительности отличается и творчество П.П. Кончаловского. Его оптимизм
отражается и при выборе тем, и в том, как свободно, применяя сочную цветовую
палитру, мастер передает в своих натюрмортах живое дыхание жизни. Он
находит его и в букете свежесрезанных веток пышной сирени, и в спелых
персиках с бархатистой поверхностью. В большом наследии художника
встречаются натюрморты камерных размеров, такие, как «Зеленая рюмка», и
огромные монументальные полотна, к примеру, «Натюрморт с окном».
Другое понимание творческого идеала находит отражение в натюрмортах
М.Сарьяна, в его терпких восточных букетах, в сочетаниях контрастных, ярких и,
вместе с этим, сдержанных красок. Натюрморты Сарьяна можно назвать
воплощением мечты о Востоке.
Значительная роль в расширении возможностей натюрморта принадлежит
художникам, входившим в объединение «Бубновый валет» - И.Машкову, П.
Кончаловскому, А. Лентулову, А.Куприну. Пройдя сложный путь поисков в
области живописной формы, они пришли в советское искусство сложившимися
мастерами. Их творческие устремления были направлены на то, чтобы активно
участвовать в строительстве новой послереволюционной жизни. Революция
перед ними открыла широкие возможности, дала живой, идейный материал для
воплощения в искусстве. Ряд работ, написанных в этот период, красноречиво
говорят о формировании нового содержания в натюрмортах. Тема строительства
социализма является основной в искусстве. Так, в натюрморте «Селедка» К.
Петрова- Водкина, созданного в 1919г., наметилась основная линия творчества
мастера: правдивый рассказ суровым языком правды о событиях современной
жизни.
Р.Фальк, К.Петров-Водкин и другие русские художники создали свои
замечательные натюрморты, показывающие не только красоту вещей, но и
внутренний мир человека, его чувства и мысли. Каждый из этих художников
нашел для реализации такой сложной задачи собственные выразительные
средства.
22
В творчестве советских художников последующих поколений натюрморт и
по художественной форме, и по содержанию, занял равноправное место наряду с
другими жанрами в искусстве, он стал цениться наравне с сюжетной картиной, в
которой поднимались темы высокого идейного содержания.
В последующем своем развитии натюрморт приобретает новые черты,
пополняется интересными стилевыми особенностями, новыми темами. В нем
находят отражение характерные черты современной жизни, достижения науки и
техники. Стремление полнее выразить творческую идею заставляет художников
разрабатывать серии живописных работ, к примеру, Ю.Пименов создает цикл
картин «Вещи людей», «Вещи каждого дня», «Старые и новые вещи». Работы
мастера несут отпечаток психологического характера. Иногда кажется, что
человек незримо присутствует в натюрморте, что он только что вышел и может в
любой момент вернуться. К примеру, в натюрморте Ю.Пименова «Ожидание»
изображен одиноко стоящий на окне телефонный аппарат со снятой трубкой, а
дождевые капли на оконном стекле еще подчеркивают тоску ожидания.
В последние десятилетия XX века в жанре натюрморта начинают работать
многие молодые художники. Всероссийская выставка «Натюрморт» 1975г.
показала не только массовую увлеченность этим жанром, но и широкий охват тем.
Не разрывая связи с современной действительностью, художники обращались к
опыту истории искусства, внимательно изучали смежные жанры. Другим
источником творчества стало изучение произведений народного искусства, анализ
художественного опыта предшествующих поколений.
В наши дни в жанре натюрморта начинают работать многие мастера.
Поражает широкий охват тем, отражающих различные глубинные процессы,
происходящие в нашем обществе.
К настоящему времени у натюрморта как жанра изобразительного искусства
полностью сформировались свои характерные черты и особенности.
В большинстве случаев изучение опыта предшествующих поколений
художников, работающих в жанре натюрморта, оказывает благотворное влияние
23
и на учителя изобразительного искусства, и на учащихся. Оно как бы показывает
перспективы творческих поисков, рисует перспективы профессионального
совершенствования. Вместе с тем неверно перенесенное представление о
творческом «заимствовании» из опыта любого известного художника может
сбить начинающего с правильного пути, привести
его к бездумному
подражательству. Поэтому, необходимо помнить о том, что, впитывая все
лучшее, обогащая свои знания тем, что было создано выдающимися мастерами
прошлого, будущий художник может обрести свое творческое лицо в искусстве.
А это формирует истинный эстетический вкус, духовно обогащает подрастающее
поколение.
24
Выводы по I главе
1.
Искусство натюрморта имеет давнюю историю. Появление натюрморта в
качестве самостоятельного жанра связано с творчеством голландских художников
XVII в. Особое влияние на голландских художников оказали мастера
Возрождения.
В
голландском
натюрморте
проявлялось
искреннее
оптимистическое восприятие жизни, настоящее желание показать, щедрости
природы, талантливость и трудолюбие человека.
2.
Значительный вклад в развитие жанра натюрморта оказали известные
художники: Сурбаран,
Рембрандт, Ж-Б.Шарден, мастера импрессионизма А.
Сислей, К. Моне, постимпресиссионисты (П.Сезанн), модернисты (А.Матисс).
3.
Русский натюрморт прошел суровую школу утверждения его в мире
искусства. Первые известные натюрморты принадлежат мастерам: Ф.Толстому,
И.Хруцкому.
4.
Расцвет русского натюрморта сделал известными художников Н.Сапунова,
И.Грабаря, К.Коровина, Р.Фалька. В послереволюционные годы натюрморт стал
развиваться благодаря И.Машкову, А.Лентулову, П.Кончаловскому, М.Сарьяну,
К.Петрову-Водкину.
Более современных авторов представлял Ю.Пименов.
Современный натюрморт несет в себе ценности многих предшествующих
поколений художников. А изучение истории развития натюрморта необходимо и
для учащихся, и для художников-педагогов для обогащения их знаний и
творческого роста.
25
ГЛАВА.II.МЕТОДИКА ВЫПОЛНЕНИЯ ТВОРЧЕСКОЙ ЧАСТИ
ВЫПУСКНОЙ КВАЛИФИКАЦИОННОЙ РАБОТЫ
2.1. Методические основы учебного и творческого натюрморта
В процессе обучения изобразительному искусству натюрморт занимает
особое место. Следует, прежде всего, отметить, что учебные постановки
натюрморта помогают изучить и усвоить практически такие понятия и законы
изобразительной грамоты, как линейно конструктивное построение, перспектива,
законы светотени, законы колорита, особенности передачи пространства и
материальности.
Натюрморты в учебном процессе могут быть и учебными, и творческими, в
зависимости от поставленных целей и задач. В учебном натюрморте превалируют
учебные задачи, а основной целью является сам процесс освоения знаний, умений
и навыков в области изобразительного искусства на практике. Это не значит, что в
учебной постановке натюрморта не ставятся творческие задачи. Творческий
натюрморт решает в основном задачи творческие, связанные с искусством
композиции, достижения выразительности в передаче художественного образа.
При этом в творческом натюрморте могут также присутствовать и учебные
задачи.
Учебный натюрморт чаще всего связан с процессом изображения
постановки натюрморта с натуры. При организации натурной постановки
натюрморта необходимо придерживаться нескольких правил:
- предметы подбираются, объединяются в постановку натюрморта, освещаются
таким образом,
чтобы
определенная
учебная
задача
была
успешно
решена. Кроме соответствия конкретной учебной задачи натюрморт должен
отвечать и ряду эстетических требований:
предметы необходимо подбирать
тематически и связывать смысловым содержанием;
-выбор освещения учебной постановки натюрморта связан напрямую с
поставленной задачей. Удачное освещение способствует восприятию натюрморта
26
в целом, конкретизации идеи, эмоциональному воздействию на зрителя;
- предметы в учебной постановке натюрморта в основном подбираются крупные
по размеру и ясные форме. Это связано с тем, что в условиях мастерской
учащийся, сможет легче воспринимать и изображать большие цветовые пятна;
- при составлении натюрморта лучше вначале избегать присутствия таких
предметов, у которых раздроблена, не конкретна форма;
- натурная постановка натюрморта должна располагаться значительно ниже
линии горизонта, для того, чтобы были видны нижние основания предметов;
- крупные предметы в натюрморте могут быть загорожены частично более
мелкими, при этом осевые линии предметов, их края, не должны совпадать с
большинства точек зрения рисующих, то есть не находиться на одной
вертикальной или горизонтальной линии. Предметы
в натюрморте должны
располагаться таким образом, чтобы они не мешали зрительному восприятию
друг друга;
- цвет предметов в натурной постановке натюрморта в какой-то мере должен быть
гармоничным, родственным;
- фон имеет очень важное значение в учебных постановках натюрмортов. На
светлом фоне лучше выступают теневые и полутеневые стороны предметов, на
темном лучше читаются предметы, проявляющие свои светлотные качества. В
начальной стадии обучения живописи натюрморта лучше, если фон по тону будет
средним между самыми темными и светлыми предметами, не очень насыщенным
по цвету;
- композиция учебного натюрморта может строиться по-разному, но при этом
она должна обладать художественной выразительностью;
- необходимым
условием
учебной постановки натюрморта
является
его композиционная целостность и цветовое единство;
- основное требование к составлению творческого натюрморта - это его
эстетическое содержание и жизненная правда. Сюжетный замысел постановки,
подбор предметов натюрморта - все это подчиняется данному требованию.
Натюрморт, составленный из предметов различной материальности и
27
окраски, является самой подходящей натурной постановкой для изучения
диапазона тональных отношений и светосилы. Кроме того, натюрморт, как
многопредметная и, поэтому многоплановая постановка, ставит учащегося перед
проблемой решения сложных комплексных задач.
Существует методическая последовательность работы над живописным
учебным или творческим натюрмортом. Учащимся необходимо
знать и
придерживаться определенного «порядка» в изображении натюрморта:
-на первом этапе выполняется композиционное размещение
натюрморта, всей
группы предметов, отдельных деталей натюрморта, драпировок
на картинной
плоскости листа;
- на втором этапе необходимо выполнить конструктивное решение формы
объектов изображения с учетом их расположения в пространстве;
-на третьем этапе осуществляется цветовое и светотеневое
решение большой
формы и установление основных цвето-тональных отношений;
- на четвертом этапе необходима детальная проработка, лепка формы цветом;
-заключительный этап - обобщающий
этап
живописной работы, этюда
натюрморта.
В основу первого этапа заложен наиболее удачный предварительный эскиз.
Руководствуясь
эскизом,
вначале
выполняется
общий
абрис
натурной
постановки. Найдя общее местоположение изображения будущего натюрморта на
листе, можно переходить к поиску каждого предмета в рисунке, установлению
главных пропорциональных отношений.
На первом этапе работа ведется тонкими, легкими линиями, не загружая
бумагу.
На втором этапе выполняется конструктивное построение предметов в
пространстве при учете перспективного сокращения. Для этого необходимо
выполнить изображение оснований предметов, что может позволить правильно
определить место расположение на плоскости предметов относительно друг
друга, определяя плановость и глубину.
После конструирования больших форм, изображают более мелкие детали
28
натюрморта при учете их взаимосвязи с основной формой.
Третий этап работы над натюрмортом связан с выявлением большой формы
цветом, поиском основных цвето-тоновых отношений, между предметами и
фоном. Определив на предметах границы светотени, необходимо вначале легко
проложить на всех предметах собственные тени. При этом прокладку тени нужно
начинать с самой темной части, что позволяет найти тон собственных теней на
остальных предметах. Вслед за прокладкой собственных теней нужно показать
падающие тени.
Работа над собственными тенями позволяет сравнивать большие объемы в
натюрморте дает возможность уточнить пропорции. После уточнения пропорций
необходимо прописать полутона и усилить падающие и собственные тени.
Основные прокладки светотени нужно решать по отношению к фону, поэтому
работа над фоном продолжается одновременно с выявлением объема. Этому
этапу при выполнении натюрморта должно уделяться самое большое внимание.
Ведь от правильности найденных тональных отношений, зависит окончательная
детальная проработка всей постановки.
Четвертый этап
обязательным
- тщательная проработка формы каждого предмета, с
выявлением
светотени,
материальности
всех
элементов
натюрморта.
При этом, занимаясь детализацией отдельных предметов, не нужно их
доводить до полного завершения сразу, все время надо сравнивать их и между
собой, и с натурой, следя все время за цветом и тоном. Иными словами, не нужно
забывать о принципе: от целого к частному и от частного к целому.
В ходе детальной проработки объектов в натюрморте может оказаться, что
отдельные элементы будут исправлены, благодаря чему изображение может
получиться дробным. Пестрота в изображении натюрморта может быть в
результате нарушения тоновых отношений между предметами переднего и
дальних планов.
Таким образом, пятый этап работы над этюдом натюрморта необходимо
направить на достижение целостности изображения, что, с одной стороны,
29
решается за счет обобщения, и второстепенных элементов, и предметов,
находящихся на дальнем плане, с другой стороны - конкретизацией предметов
первого плана.
При
изображении
натюрморта
необходимо
знать
определенные
особенности живописного изображения. Живопись базируется на определенных
закономерностях построения цветом реалистической формы. Живопись учебного
натюрморта - это путь освоения приемов, способов и средств построения
живописных формы цветными мазками и пятнами, лессировками. основная цель
обучения – освоение правильного видения, передачи цветом на плоскости формы
предмета в связи с окружающей средой.
Все предметы в природе имеют собственную цветовую окраску. Снег белый, трава - зелёная, лимон - желтый и т.д. Присущий объекту природный цвет
является его неотъемлемым качеством. Он и называется локальным или
предметным цветом.
Но в практической работе художник использует не предметный цвет, а
цвет, который воспринимается им в конкретной среде. Локальный цвет и тон,
который воспринимается живописцем, не соответствуют точно локальному цвету.
У обычного человека существует устойчивое представление о том, что
постоянный цвет - окраску имеют все предметы. Начинающий художник белое
видит белым, синее – синим. Работая с натуры, начинающий художник старается
более точно подобрать цвет. При этом теневые и освещенные части отличаются
только по светлотному признаку. При этом практикующий художник покажет не
только богатые светотеневые переходы, но и тонкие цветовые характеристики.
Гипсовый предмет станет не только белым, но и голубоватым или розовым,
лимон - не только желтым, а зеленым или оранжевым. Цвет предметов является
обусловленным, то есть определяется той средой, в которой мы наблюдаем
данный предмет.
К фактам, которые оказывают влияние на изменение цвета, относятся
цветовое окружение, световоздушная среда, конкретные источники освещения.
Воздействуя на воспринимаемый цвет, они придают ему такие оттенки, которые
30
могут резко отличаться от локального цвета. Обусловленные цвет более
подвижен и сложен, нежели предметный. Изменения в среды неизбежно влекут за
собой изменения в наблюдаемых нами цветах.
Работающий с натуры знать те причины, которые оказывают влияние на
цветовое решение. Цвет в этом случае будет нести в себе безусловную
эстетическую ценность, он может стать в руках мастера активным средством
преобразования натуры в заданный художественный образ.
Именно
воспитания
зрительного
восприятия
начинается
обучение
искусству живописи. Как можно раньше обучающимся надо решительнее
преодолевать
привычное
представление
о
предметном
цвете,
развивать
способность видеть предметы в определенной окружающей среде, наблюдать
натуру, видеть натюрморт, как гармоническую группу предметов, которые имеют
пространственные и рефлексные связи.
Основной метод, который позволяет успешно создавать зрительный образ
натуры - это метод отношений. Сравнивая одни предметы с другим, выявляя
различия цвета в теневых и освещенных частях, находя в изображении цветовые
отношения, можно достичь передачи полного представления о натуре.
Процесс
формирования
зрительного
восприятия
осуществляется
параллельно с накоплением профессиональных навыков и умений. Это
достаточно сложный и трудоемкий процесс, который требует постоянного
напряженного труда.
В процессе художественного поиска, в работе над идеей натюрморта
приходится выполнять ряд вариантов композиций с разными сюжетами.
Натюрморт может иметь большое смысловое значение в тематической
картине. Включенный в организацию творческого произведения, натюрморт
выполняется с учетом общего состояния натуры. Частным случаем такой картины
считается натюрморт на пленэре. Работа на открытом воздухе во многом
расширяет цветовые возможности живописи. Цветовое многообразие, большое
количество рефлексов, взаимозависимость цветовых отношений на пленэре
содействует более глубокому изучению законов живописи, формированию
31
художественного вкуса. Зато привычное комнатное освещение может уступить
место необычным совершенно новым условиям. В мастерской, обычно
используют одностороннее освещение, на воздухе свет является рассеянным,
создающим активную световую среду, в которой цвет обогащается рефлексов.
Теневые части предметов и падающие тени в результате обилия света смотрятся
также прозрачно и цветно, что может придать особую привлекательность
живописному этюду. Кроме того, разнообразные состояния освещения: вечернее,
солнечное, пасмурное, - могут создавать необычайно богатые возможности для
изучения колорита, цветовых отношений.
Колорит живописного произведения по многом зависит от состояния
погоды и времени дня, когда выполняется натюрморт. В зависимости от этих
условий изменяется и цветовой строй этюда. В солнечный день живопись с
резкими тенями, более контрастная, в тени или в пасмурный день, напротив,
форма предметов становится мягче, светотень - рассеянной, цвет – не настолько
насыщенным. Особенностью решения постановки в пасмурный день является то,
что общий цветовой тон приобретает серебристый холодноватый оттенок,
который главным образом зависит от окраски окружающих предметов.
Таким образом, задачей живописи является развитие способности видеть
натуру во всём её многообразии и богатстве форм и красок. И всё это достигается
на первом этапе обучения благодаря учебному натюрморту.
Чувство цвета у людей индивидуально. Оно зависит от возраста, пола,
жизненного опыта, настроения и многих других причин. И все же есть много
общего в восприятии цвета различными людьми.
Цветом можно конструировать и мыслить. Цвет может изображать красоту
окружающего мира, передавать форму предметов, выражать настроение, чувства,
определенное эмоциональное состояние. Одно слово «цвет» решает многие
качества процесса живописи, потому цвет является ее основой. Цвет для
живописи получается обычно при помощи смешения красок на палитре. После
этого художник превращает в цвет краску на плоскости картины, создавая
колорит– особый цветовой порядок.
32
Формированию цветового восприятия у людей может помочь сама природа.
Сочетание в природе
цветов, её гармония и единство помогают художнику
искать пути передачи цвета предметов при помощи красок. Восприятие цвета
зависит во многом от цветового тона объекта, уровня его насыщенности и
яркости. Художник часто находит новые техники, способы и материалы для
творческого воплощения в картине цвета.
Цвет может вызывать раздражение, тревогу или радовать. Другими
словами, цвет может оказывать на людей эмоциональное воздействие. Одни цвета
могут успокоить нервную систему, другие, наоборот, ее раздражают.
В принято считать, что в изобразительной деятельности богатый
ассоциациями красный цвет - возбуждающий, согревающий, оживляющий,
активный,
энергичный;
желтый
цвет
-
теплый,
бодрящий,
веселый,
привлекательный; оранжевый цвет - весёлый, радостный, пламенный, добрый.
Богат ассоциациями и зелёный цвет, он создаёт спокойное, приятное и мирное
настроение.
А вот синий цвет характеризуют как серьёзный, печальный, тоскливый,
сентиментальный, спокойный. Фиолетовый цвет соединяет эмоциональное
воздействие красного и синего цветов - он является одновременно и,
притягивающим и отталкивающим, полным жизни и вместе с тем вызывающим
тоску и грусть.
Исходя из вышеперечисленных характеристик цвета, можно сделать вывод:
используя в данной творческой работе большую цветовую гамму оттенков, была
сделана попытка вызвать чувства теплого эмоционального настроя, радости.
Очевидно, что чем определеннее набор эталонов цвета (зелёная трава, синее
море, желтое солнце, красный цветок и т.д.), тем дольше ребёнок по мере
взросления будет находиться в пределах «детского восприятия». И наоборот, чем
шире и вариативнее набор цветовых сочетаний, тем шире возможность выбора,
тоньше анализаторные свойства восприятия.
Развитию
восприятия
цвета
помогают
занятия
живописью.
Непосредственное соприкосновение с краской, сравнение её цвета с окружающей
33
природой, предметами, получение оттенков при помощи белил и воды, смешение
красок для получения нового цвета - во всех этих процессах много приятных
ощущений... Стихия цвета и красок приходит вместе с ощущениями вязкости и
густоты, бархатистости гуаши.
Общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства,
характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой строй
называется колоритом. Богатство и согласованность цветов
- это главное
достоинство колорита.
Колорит является важнейшим компонентом художественного образа, одно
из средств художественной выразительности в цветной графике и живописи, во
многих произведениях декоративного искусства.
В живописи существенную роль играет объединение цветов. Обычно между
собой объединяются цвета, близкие друг другу по цветовому тону, равные по
светлоте. Когда цвета объединены между собой тонально, появляется особая
звучность, происходит их качественное изменение. Цвет, который не согласован с
ней, выпадает из общей тональности, разрушает целостность живописного
произведения, кажется чуждым.
И учебный и творческий натюрморт строятся на взаимосвязи всей гаммы
цветов, то есть когда ни одно цветовое пятно нельзя изменить по насыщенности
или яркости, уменьшить или увеличить по размерам, не нарушая целостности
произведения.
Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных
цветов в картине является колоритом.
Колорит раскрывает перед нами красочное богатство мира. Он помогает
передать мастеру настроение картины: колорит может быть тревожным,
спокойным, грустным, радостным и др. Колорит бывает холодным или тёплым
светлым или темным.
Живопись старых мастеров помогает проследить развитие системы
колорита. Понятие «колорит» начинает складываться в конце XV в., возможности
колорита наибольшее развитие получают в эпоху барокко, роль его возрастает у
34
Констебля и особенно проявляется в творчестве импрессионистов. В XV в.
краски
в
картинах
французских,
немецких,
итальянских
художников
существовали как бы независимо друг от друга. Старые мастера словно
раскрашивали предметы, фигуры героев не сливались в одно целое с
окружающим пространством, а представали яркими пятнами на неопределенном
серовато-буром фоне.
После XVI в. все более конкретизируется цвет в живописи. Появляются
новые оттенки в произведениях мастеров: у Караваджо - ярко-красный,
оливковый, коричневато-синий, у Веласкеса - неуловимые переходы вокруг
серого, белого, черного, розового. Рембрандт свою палитру ограничивает
темными тонами, но цвет у него получает новые свойства - загадочность и
одухотворенность.
Живописцы Возрождения, в частности Тициан, применяют цвет для показа
жизни натуры. В эпоху барокко цвет в большей степени является элементом
живописной фантазии, которая определяла, прежде всего, эстетические функции.
Живопись старых мастеров была построена на красочных изысканных
переходах, сложных технических приемах, смешанных тонах. Художники
применяли сильные цветовые и тоновые контрасты. Художники часто
использовали прием лессировки, для того чтобы получить желаемый цветовой
тон.
В XVIII веке эстетическая игра с цветом становится более изысканной,
виртуозной и сложной. Художники используют тонкие нюансы одного цвета для
одежды, волос и лица. На первый план выступают светло-жёлтый, белый и
коричневый цвета.
Для живописной системы XIX века характерны оптические эксперименты,
противоречия между формой и цветом,. Живописцы этого периода, особенно
импрессионисты, смогли передавать солнечное сияние, показать светлое на
светлом. Они используют чистые цвета, эффект оптического смешения, большое
внимание стали уделять цветовым контрастам.
И.Репин, К.Коровин, М.Врубель, В.Серов, В. Суриков, Ф. Малявин, В.
35
Борисов - Мусатов и другие выдающиеся русские художники-колористы имели
особое чувство колорита, очень ценный дар. К примеру, И.Репин работал в
теплом золотисто-красно-желтом колорите. Любимый колорит Сурикова включал
голубовато-синие, холодные цвета. В серо-серебристом колорите выполнены
многие произведения Серова, Врубель предпочитает голубые и синие, серые
оттенки. Огненно-красным колоритом отличаются многие картины Малявина.
Нередко о колорите художника говорит его палитра. Можно даже говорить
о «национальном колорите». Произведения М. Сарьяна - яркий этому пример.
Каждый художник предпочитает определенное, наиболее удобное для него
расположение красок на палитре, выбор определенного количества цветов. При
этом имеется в виду особая цветовая схема, характерная для творчества
художника или конкретного произведения в целом. В этом значении к термину
«палитра» близко понятие «колорит». К примеру, палитра французского
художника П.Пикассо в «голубом периоде» его творчества преимущественно
состояла из холодных синих и голубых красок, а в последующий, «розовый
период» - из теплых золотисто-розовых оттенков.
Очень важно подобрать общий колорит композиции натюрморта, при этом
также значимым является грамотное решение композиции картины.
Композиция в изобразительном искусстве связана с передачей основного
замысла, идеи произведения наиболее убедительно и ясно. Основное в
композиции – это создание художественного образа. Картины художников
разных эпох, выполненные в совершенно различных стилях поражают наше
воображение,
надолго
запоминаются
благодаря
специфическому
композиционному построению.
Можно определить ряд условий, которые служат целостности законченной
композиции: ни одна часть целого не может быть изъята или заменена без ущерба
для целого; части не могут меняться местами без ущерба для него.
Композиция означает составление, соединение, сочетание различных частей
в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. В изобразительном искусстве
композиция - это построение творческого произведения, обусловленное его
36
содержанием, назначением и характером. Слово «композиция» в качестве
термина изобразительного искусства стало употребляться, начиная с эпохи
Возрождения.
Восприятие произведения напрямую связано с его композицией. В
творческой деятельности процесс создания произведения связан напрямую с
сочинением композиции.
Подлинное мастерство и свобода творчества основывается на точном
знании. Художники веками искали самые выразительные композиционные
схемы. В результате анализа накопленного опыта можно сказать о том, что самые
важные элементы изображения размещаются не хаотично, а образуют простые
геометрические
фигуры
(пирамиду,
треугольник,
круг,
квадрат,
овал,
прямоугольник и т.п.).
Произведение искусства, по выражению П.Флоренского, есть «запись
некоторого ритма образов, и в самой записи даются ключи к её чтению». [9,
с.156] Для передачи образа чего-то устойчивого, неподвижного, подходит
замкнутая, статичная, закрытая композиция. Основные направления линий в этом
случае стягиваются к центру. Поставленная задача решается при помощи
построения композиции по форме овала, квадрата, круга, прямоугольника с
учетом закона симметрии.
Композиция, которая отвечает индивидуальным творческим поискам
мастеров, способна вызвать различные чувства и эмоции, ассоциации зрителя.
Не стоит преувеличивать значение композиционных схем. Но в период
обучения основам композиции, в частности, на примере натюрморта, очень
полезно использовать такие схемы, так как они помогают найти соотношения
различных элементов произведения, определить общую структуру композиции.
Эти схемы играют вспомогательную роль. Приобретая опыт, композиционные
схемы можно научиться строить только мысленно.
Композиция перед художником каждый раз ставит сложные вопросы,
ответы на которые должны быть оригинальными, неповторимыми, точными. В
композиции натюрморта необходимо все: зрительный «вес», масса предметов, их
37
расположение на плоскости, выбор точки зрения,
ритмические чередования
пятен и линий, выразительность силуэтов, цвет и колорит картины, способы
передачи материальности и пространства, распределение светотени, размер и
формат произведения, и многое другое.
Композиция
учебного
и
творческого
натюрморта
строится
по
определенным правилам и законам. Ее приемы правила взаимосвязаны между
собой, действуют на протяжении всей работы художника. Они направлены на
достижение целостности и выразительности художественного произведения.
Применение
средств
художественной
выразительности,
оригинальное
композиционное решение, наиболее подходящих для воплощения замысла
художника - это основа выразительной композиции.
В живописном произведении композиция должна быть органичной и
естественной, не навязывать идею картины, а словно незаметно к ней подводить
для того, чтобы зритель проникся замыслом и творческой идеей художника.
Композиционный строй картины можно заранее рассчитать. Постоянные
упражнения по композиции развивают специальные навыки, учат приемам
построения композиции.
Композиция может быть построена на контрастах нового и старого, злого и
доброго, веселого и грустного, спокойного и динамичного и т.д. Контраст, как
универсальное композиционное средство, позволяет создать выразительное и
яркое произведение. В своем «Трактате о живописи» Леонардо да Винчи писал о
необходимости применения контрастов величин (большого и маленького,
высокого и низкого, толстого и тонкого), объёмов и плоскостей, фактур и
материалов и др. Цветовой и тональный контрасты используют при создании
произведений живописи и графики в любом жанре. При составления композиции
натюрморта, к примеру нужно учитывать, что темный объект лучше заметен на
светлом фоне и, наоборот, светлый - на темном.
Для цельности композиции необходимо обозначить, выделить центр
композиции, приглушить отвлекающие контрасты, отказаться от второстепенных
деталей. Композиционной цельности можно добиться, объединив тоном, светом,
38
или цветовыми отношениями все части произведения.
Важная роль в композиции отводится среде или фону. Окружение героев
имеет Таким образом, цельности композиции, единства впечатления можно
достичь, если использовать необходимые средства для воплощения замысла.
К основным приемам композиции, которые применяются в построении
натюрморта
можно отнести: выделение сюжетно-композиционного центра,
симметрию и асимметрию, передачу ритма, равновесие частей композиции.
К основным средствам композиции относятся: пространство, формат,
композиционный
центр,
ритм,
равновесие,
светотень,
цвет,
контраст,
декоративность, симметрию и асимметрию, динамику и статику, целостность,
открытость и замкнутость. Средства композиции - это все, что нужно для ее
создания, в том числе все ее правила и приемы. Они очень разнообразны, их
можно иначе назвать средствами художественной выразительности композиции.
Здесь были приведены только основные.
Ритм - это универсальное природное свойство. К примеру, процесс развития
животных, растений, смена времен года, дня и ночи, происходит по
определенному ритму. Ритм обычно подразумевает движение. В жизни и
искусстве ритм - это не одно и то же. Перебои ритма возможны в искусстве, его
неравномерность,
ритмические
акценты,
живое
разнообразие,
а
не
математическая точность, как в технике, приводят к соответствующему
пластическому решению.
Как и в музыке, в произведениях изобразительного искусства различают
порывистый, активный, дробный ритм или спокойный, плавный, замедленный.
Ритм не только принимает участие в построении изображения, но часто
придает определенную эмоциональность содержанию. Ритм может быть задан
пятнами света, тени, линиями, цветом. Ритм может строиться на контрастах
объектов.
Работая над композицией творческого натюрморта, необходимо выяснить,
что будет основным в картине, и постараться выделить это главное или сюжетнокомпозиционный центр, который может носить название «смыслового центра»
39
или «зрительного центра» произведения.
Композиционный центр в первую очередь служит для привлечения
внимания. Центр выделяют цветом, светом, размером изображения, контрастами
и другими средствами.
Художники разных времен применяли симметричное построение картины.
Такое построение позволяет достичь впечатления величественности, покоя,
особой значимости и торжественности событий. В симметричной композиции
натюрморта предметы расположены практически зеркально по отношению к
осевой линии произведения. Симметричные композиции чаще всего статичны,
правая и левая половины уравновешены.
В ассиметричной композиции натюрморта расположение предметов может
быть самым разнообразным в соответствии с сюжетом и замыслом произведения,
правая и левая половины не будут уравновешены. При этом в натюрмортах одним
большим пятном можно уравновесить много небольших по размеру пятен.
Вариантов множество: уравновешиваются части по тону и цвету, по массе.
Равновесие касается не только самих фигур в натюрморте, но и промежутков
между ними.
Композиционные средства, правила и приемы основаны на большом
творческом опыте мастеров многих поколений, но теория и практика композиции
постоянно развивается, обогащаясь творческой практикой новых мастеров.
Таким образом, учебный и творческий натюрморт имеют множество
отличий и много сходства.
При выполнении творческого натюрморта, как и при выполнении учебного
также необходимо соблюдать определенные правила и принципы.
40
2.2.
Методическая
последовательность
работы
над
натюрмортом
«Натюрморт с хризантемами » в технике гуаши
Создавая живописное произведение, необходимо соблюдать определенную
последовательность. Художник обычно начинает работу над творческой
композицией с ряда композиционных эскизов небольшого размера, в которых
конкретизируется определенный замысел. С этой же целью выполняются этюды с
натуры.
Для создания интересной
живописной композиции нужно учиться в
окружающей жизни видеть интересные персонажи, мотивы, ракурсы и состояния.
Постоянное выполнение зарисовок, набросков и этюдов с натуры развивает не
только руку и глаз, но и формирует композиционное мышление. Выбор самого
выразительного сюжета для композиции - тоже непростая задача. Под сюжетом
понимается то, что художник изображает непосредственно на полотне, при этом
содержание или тема могут быть шире, то есть по одной тематике можно
создавать произведения с различными сюжетами.
Еще до начала изображения важно представить будущее произведение. Как
правило, сначала художник выполняет небольшие эскизы для того, чтобы найти
самую выразительную композицию.
В эскизах вырисовывается общая схематическая композиция, взаимосвязь и
расположение основных элементов детальной прорисовки. Возможно цветовое и
тоновое решение эскиза. Далее необходимо перейти
к подробному рисунку
композиции, затем к ее живописному решению.
Один из главных этапов работы касается сбора натурного материала:
наблюдение окружающей жизни, зарисовки и наброски в соответствии с
выбранным сюжетом.
На следующем этапе выполняется цветовой эскиз будущего произведения.
Выполняется картон или будущий рисунок, который необходимо перевести на
какую-нибудь поверхность.
41
На следующем этапе переходят к живописному решению работы. Сначала
нужно выполнить
подмалёвок гуашью без примеси белил. В подмалевке
определяются общие тоновые и цветовые отношения предметов, их локальный
цвет. Затем приступают к основному этапу - собственно живописному решению
основного эскиза.
Лучше всего вести работу от общего к частному, постепенно нанося
основной цвет предметов и следя за моделировкой объема. Необходимо уточнить
нюансы и контрасты цвета, определить цветовые рефлексы, общий колорит
работы. На последнем этапе опять необходимо перейти к обобщению. Ради
достижения цельности произведения нужно убрать лишние детали, ослабить
контрасты, выделить главное.
Перечисленные этапы выполнения живописного произведения очень
важны, особенно в учебных целях. При этом все художники работают поразному. Одни выполняют детальный цветовой и тоновой эскиз, а другие сразу
пишут начисто, даже не используя предварительный рисунок карандашом. Кто-то
ищет в натуре практически все детали для своего произведения, выполняет этюды
при различных условиях освещения, изучает необходимый искусствоведческий
или исторический материал. Другой мастер может больше доверять своему
воображению или зрительной памяти, вообще отказываясь от изучения натуры.
Художник может работать одновременно над композицией, рисунком,
лепкой формы, передачей колорита и пространства. Однако не каждому доступен
такой путь. Нужно обладать хорошей композиционным мышлением, зрительной
памятью, безукоризненным чувством цвета, точным рисунком. Большинство
художников предпочитают выполнять все этапы для создания живописного
произведения. Так работа над эскизом тематического натюрморта
следующему:
- поиски композиции;
- натурные наброски, этюды, зарисовки;
- цветовые эскизы;
-подготовительный рисунок к живописи, картон;
сводится к
42
-непосредственно работа над эскизом основной композиции в цвете.
Выполнение эскизов композиции натюрморта с хризантемами в технике
гуаши требовало особого подхода к технике живописи, изучения данного
живописного материала. До недавнего времени бытовало мнение о том, что гуашь
нельзя воспринимать как серьезную живописную технику. Чаще всего в учебных
целях гуашь употреблялась как материал для художественно-оформительских
работ, выполнения эскизов для изделий декоративно-прикладного искусства.
Гуашь нравилась педагогам изобразительного искусства для ее использования в
детском творчестве. В целом, о данной живописной технике судили как о
недолговечной и малопривлекательной для передачи сути художественного
образа.
В
истории
отечественного
и
зарубежного
искусства
существуют
множественные примеры творчества художников, которые отлично владели
данной живописной техникой.
Гуашь достигла пика своего расцвета в России на переломе XIX-XX в.в.
В своих работах с большим мастерством применяли гуашь А.Я.Головин
(«Испанка»), В.А.Серов («Петр I», «Портрет Г.Л.Гиршман»), Е.Е.Лансере
(«Корабли петровских времен»), Б.М.Кустодиев («Ярмарка»), К.А.Коровин и др.
В работах этих мастеров были выявлены все замечательные качества гуаши, как
живописного материала, в работе над большими станковыми произведениями:
матовость, бархатистость, особые декоративные эффекты.
Технология живописи гуашевыми красками имеет свои особенности и
существенно отличается от живописи темперой, акварелью, маслом. С одной
стороны, гуашь –это «капризный» материал, с другой стороны – она отличный
помощник для начинающих художников, который дает возможность сохранить
работе «благородный вид» даже после неоднократных исправлений.
Гуашь – это живописная техника, которая относится к разряду водяных,
т.е., в качестве растворителя в гуашевой живописи используют воду. В отличие от
«водяной» акварели, гуашь – это быстросохнущая, но кроющая краска. Кроме
того, по сравнению с акварелью, только некоторые ее смеси могут привести к
43
«грязи» в живописи.
Для гуаши подходят различные основы. Кроме бумаги можно использовать
картон, а также грунтованный холст, ДВП, фанеру.
В живописных целях применяют художественную гуашь. В отличие от
плакатной, художественная краска более тонкодисперстная, а в качестве
наполнителя в нее добавляют не каолин, а цинковые белила.
В гуашевой живописи не желательно употреблять пастозные красочные
слои или очень густые смеси гуаши. Краска применяется в состоянии жидкой
сметанообразной массы, наносятся тонким слоем. Толстые слои гуаши
растрескиваются и осыпаются при высыхании.
Начинающим работать в технике гуашевой живописи этот материал
рекомендуется апробировать на самом «учебном» задании – живописном этюде
натюрморта.
Рисунок под гуашь можно выполнять непосредственно на живописной
основе, но можно и переводить со специального подготовительного рисунка,
выполненного на отдельном формате. Неряшливый и затертый рисунок не
годится под любую технику живописи.
Работу гуашью предпочтительно вести в один прием, вписывая один цвет в
другой, при том, что предыдущий слой еще влажный. Необходимо учитывать, что
сухая и сырая гуашь отличаются не только по тону, но и по цвету. Поэтому
поправки, которые производятся по просохшему слою краски могут иметь
неожиданный эффект: во-первых тяжело предугадать тон положенной красочной
смеси, а во-вторых, неизвестно, какую роль сыграет цветовая подкладка
предыдущего красочного слоя, смешиваясь с последующими.
Работу гуашевыми красками можно вести несколькими способами. Вопервых, наиболее выразительным в любой технике живописи зачастую являются
работы, выполненные в технике «алла прима»: то есть можно писать этюд очень
быстро, «на одном дыхании». Во вторых, можно писать работу заранее
приготовленными колерами; использовать подмалевок преимущественно из
цветов темных тонов с последующим высветлением цветовой
гаммы, так как
44
обратный процесс – от белил к плотным тонам гуаши – очень сложен (в этом
случае трудно добиться плотного бархатистого тона гуаши).
акварели, в гуаши очень красивыми, бархатистыми
В отличие от
бывают кроющие смеси
темных тонов, без примеси белил. Надо только учиться составлять насыщенные и
ясные по цветовым характеристикам, а не грязные и мутные цветовые смеси.
Работа гуашью требует наличия конкретных навыков и даже интуиции
живописца. Поэтому проще всего живопись натюрморта начать с цветного
подмалевка, который предопределит будущие цвето-тоновые отношения на свету
и в тени фона (драпировок) и предметов. Необходимо отметить, что начало
живописи гуашью - это всегда более тонкое письмо и лишь в последующем
можно вводить пастозные мазки, а не наоборот.
Следующий этап – это уточнение, конкретизация деталей натюрморта,
поиск цветовых рефлексов, бликов, нюансов, полутонов и теней с учетом
взаимовлияния цветов и пространственного расположения предметов. На данной
стадии каждый объект в натюрморте должен приобрести свою «портретную
характеристику», но не отделяясь из среды, а погружаясь в нее.
Заключительный этап – обобщение, приведение к гармонии, цветовому
единству. Этот этап нужен для определения общего освещения и решения
пространства, среды в натюрморте. Но, для того, чтобы работа не получилась
невыразительной, вялой, не нужно забывать об акцентах в живописи.
Учебная постановка натюрморта будет иметь творческий характер, когда в
ней появится сюжетная завязка, композиционная идея, которая выявит смысл
работы даже в простейшем натюрморте. Поэтому в работе над натюрмортом
необходимо выявить композиционный центр для того, чтобы привлечь внимание
зрителей на ритмическое построение композиции натюрморта. Здесь велика роль
нюансов, богатство которых возможно достичь с помощью гуаши.
Необходимо отметить своеобразие живописи гуашью, которое заключается
в том, что приемы работы гуашевыми красками могут быть сродни акварели – в
один прием
по-сырому или по – сухому; сродни маслу или темпере –
лессировкой или пастозным мазком; сродни пастели - штрихами или полусухой
45
растушевке, но неповторимая суть этого материала – в его некотором своеобразии
и непредсказуемости, смелости обращения с ним. Недаром гуашью замечательно
пишут дети, «подключая» какие-то внутренние чувства, стремясь все силы
приложить в целях создания специфического и яркого художественного образа.
Изображение в натюрморте цветов – это творческая, но не совсем простая
задача.
Художник изображает цветы, а те рассказывают о художнике, его
характере, отношении к жизни, людям, себе самому. Способен ли он увидеть
прекрасное в скромном, малом?
Все пробелы в обучении тотчас скажутся, как только художник возьмется за
изображение цветов.
Недаром П.П. Кончаловский говорил: «Цветок нельзя писать «так себе»,
простыми мазочками, его надо изучить , и так же глубоко, как и все другое. Цветы
– великие учителя художников: для того, чтобы постигнуть и разобрать строение
розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица. В
розах есть все, что существует в природе, только в более утонченных и сложных
формах, и в каждом цветке, а особенно в сирени или букете полевых цветов надо
разбираться, как в какой-нибудь лесной чаще, пока уловишь логику построения,
выведешь законы из сочетаний, кажущихся случайными… Я пишу их, как
музыкант играет гаммы. Поработаешь часика два, так ум за разум начинает
заходить – вместо цветов являются уж звуки какие-то…». [24,с.16]
Цветы можно рисовать и писать круглый год. Зимой – комнатные, а уж в
марте и апреле – подснежники.
Одним нравятся пестрые огромные букеты, другим - небольшие,
составленные всего из нескольких растений. Многие пишут цветы в условиях
пленэра. Интереснейшей школой мастерства в изображении цветов является
живопись замечательного акварелиста, нашего современника С.Андрияки.
Прежде, чем избрать технику и метод работы, настроиться на определенное
количество сеансов, необходимо согласовать свои намерения с теми сроками,
какие назначит натура, ведь цветы живут недолго, а некоторые – всего один день.
46
Даже опытному живописцу сложно писать внушительный букет, потому что
нужно разобраться не только в строении и форме каждого цветка, но и в общей
форме всего букета. Она имеет свои градации светотени, включая рефлексы.
Важно, чтобы каждое растение было точно вписано в натюрморт. Добиться этого
можно только при одновременном видении частного и целого, постоянном
сопоставлении всех частей букета.
Запечатлеть – это еще не все. Подлинный успех придет, если цветы так
заворожили, что нельзя не взяться за кисти. А Дейнека говорил, что настоящие
розы даже в картине должны словно излучать запах, иначе они будут фальшивы и
в них не поверишь.
Известно много прекрасных цветочных натюрмортов, выполненных
маслом, акварелью, темперой, гуашью, пастелью. Каждая техника требует
хорошего знания живописного материала и его возможностей. В данном случае
гуашь
потребовала
от
автора
дипломной
работы
очень
большой
сосредоточенности, предугадывания тона и цвета, которые именно в гуашевой
технике живописи наименее предсказуемы.
В качестве главного героя натюрморта были выбраны хризантемы.
Композицию
решено
было
построить
по
принципу
треугольника.
Предполагалось, что в композиции с цветами, этом один элемент обязательно
должен будет играть роль доминанты, а поддержкой по массе выступят гранаты
на тарелке и небольшой букет хризантемок. Сухие схемы в натюрморте с цветами
редко работают. Очень часто художники, изображающие цветы вносили нотки
импровизации, от этого их работы получались лишь более жизненными.
Творческий натюрморт с хризантемами было задумано выполнить в манере
торжественности. Хризантемы недаром на Востоке считаются священными
цветами. Они завораживают своей формой и цветом. Говорят, что у каждого
художника есть предпочтение при выборе цветов при изображении натюрмортов.
О магии цветов говорил В. Фаворский: « …рассмотрим цветок, простой
цветок с серединой, с лепестками. Мощь его можно почувствовать, если всю
поверхность покрыть цветочными лицами или глазами! Как их назвать – не
47
знаешь, а все-таки они смотрят и имеют глубину, как лицо». [25,с.44] Недаром
поэты сравнивают с цветами облик любимого человека.
Цветы для художника – строгие экзаменаторы. По тому, как он их видит,
как к ним относится, как изображает, можно судить о его отношении к людям,
природе, жизни.
48
Выводы по II главе
1.
В процессе обучения изобразительному искусству натюрморт занимает
особое место. Натюрморты в учебном процессе могут быть и учебными, и
творческими, в зависимости от поставленных целей и задач. В учебном
натюрморте превалируют учебные задачи, а основной целью является сам
процесс освоения знаний, умений и навыков в области изобразительного
искусства на практике.
2. Учебный натюрморт чаще всего связан с процессом изображения постановки
натюрморта с натуры. При организации натурной постановки натюрморта
необходимо придерживаться определенных правил в отношении выбора
предметов, их тона и цвета, подбора фона и организации освещения.
3. Творческие постановки
выполняются
в соответствии
с определенной
методикой, выполняется ряд этапов: выполняются композиционные поиски,
натурные наброски, зарисовки, этюды, картон будущего произведения,
основное цвето-тоновое решение (детализация изображения, обобщение
изображения).
4. Учебный и творческий натюрморт выполняются с учетом колористического
решения, правил композиционного построения изображения.
5. В качестве творческого натюрморта к выпускной квалификационной работе
был выполнен натюрморт с хризантемами в технике гуаши.
49
ГЛАВА III. МЕТОДИЧЕСКАЯ НАПРАВЛЕННОСТЬ ДИПЛОМНОЙ
РАБОТЫ В ЦЕЛЯХ ПРАКТИЧЕСКОГО ИСПОЛЬЗОВАНИЯ В ШКОЛЕ
3.1 Цели и задачи проведения уроков рисования с натуры в школе
Одним из видов изобразительной творческой деятельности школьников,
включенным в учебную программу предмета «Изобразительное искусство», является изображение натюрморта в разделе «Рисование с натуры». Этот вид детского
творчества - сильнейшее средство художественного, нравственного и эстетического воспитания школьников. Творческий натюрморт на уроках изобразительного
искусства приобщает школьников к «большому» искусству посредством их
собственной изобразительной деятельности. Знакомство с изобразительным
искусством, с творчеством художников, постижение опытным путем секретов
мастерства реалистической и выразительной передачи художественного замысла
формирует у детей способность к творческой изобразительной деятельности,
воспитывает у них интерес к изобразительному искусству и понимание его языка.
А поскольку, живописные произведения, с которыми знакомятся учащиеся на
уроках, несут в себе глубокий патриотизм, высокую нравственность, то уроки
изображения натюрморта с натуры являются и уроками нравственности, и эстетического понимания природы вещей и явлений окружающей жизни, уроками
истории и культуры своей Родины, рассказанной языком искусства.
Изобразительное искусство является одним из любимых занятий детей. Эта
работа требует знаний и умений, художественных способностей в области
изобразительной грамоты. Для работы над творческим заданием необходим
большой запас впечатлений и зрительных образов, творческое воображение.
Воображение и видение ребенка формируется постепенно, по мере
приобретения им определенного опыта, усвоения огромного объема информации.
Навык художественного видения дает возможность осмысливать образы
действительности, дает простор его воображению и собственному творчеству.
Проводя занятия в школе, было замечено своеобразное отношение к своему
50
художественному творчеству учащихся начальной школы и детей среднего
школьного возраста. Младших школьников интересует сам процесс творчества,
поэтому они чаще всего остаются довольны любым результатом своего труда,
напоминает ли он труд взрослого или нет. У детей среднего и особенно старшего
школьного возраста появляется критическое отношение к своим работам. У
ребенка возникает вполне естественное желание передать в рисунках свои
впечатления от увиденного и прочитанного. Он берет в руки краски, карандаши,
кисти, бумагу, и начинается процесс творчества. Но, порой, яркие образы
тускнеют при их изображении, краски растекаются, карандаши не слушаются,
рисунок
не
получается,
поэтому
юный
художник
испытывает
неудовлетворенность.
По мере того, как ребенок растет и входит в период позднего детства, у него
обычно
наступает
разочарование
и
охлаждение
к
рисованию.
Люкенс,
написавший исследование о рисунках детей, относит указанное охлаждение к
возрасту между десятью и пятнадцатью годами. После этого охлаждения, по его
мнению,
наступает
снова
интерес
к
рисованию.
Это
новый
подъем
изобразительного творчества, и его переживают только дети, обладающие
повышенной одаренностью в художественном отношении. Большинство детей
«застывает» уже на всю жизнь на той стадии, в которой застает их этот перелом, и
рисунки взрослого человека, никогда ранее не рисовавшего, очень мало
отличаются от рисунков восьми - девятилетнего ребенка, заканчивающего свой
цикл увлечения рисованием.
Развитие творческих способностей, воспитание устойчивой мотивации к
изобразительной деятельности, трудолюбия – эти особенности личности ребенка
возможно и необходимо развивать на занятиях изобразительным искусством.
Часть часов учебной школьной программы посвящена урокам рисования с
натуры. Такие уроки имеют наибольшую степень педагогического воздействия.
Рисование натюрморта позволяет воздействовать активно на формирование
чувства композиции, способности добиваться выразительности образов, выделять
цветом главное и использовать художественный материал, наиболее подходящий
51
для воплощения замысла.
Особенное внимание уделяется развитию способности к творческому
решению задач, ведь творческий подход является определяющим в создании
художественного образа. Это умение ощущать и передавать настроение и эмоции
при помощи живописных изобразительных средств. Это способность выражать на
бумаге образы окружающего мира, состояние природы, мысли, чувства, звуки,
запахи.
Каждому эмоциональному состоянию соответствует свой образ, который
выражается в сумме определенных изобразительных средств.
Таким образом, на уроках изобразительного искусства можно научить
ребенка не просто воспроизводить образы с натуры, а создавать совершенные
композиции, содержащие замысел и эмоциональную окраску.
52
3.2. Наглядно-методические пособия по теме: «Живопись натюрморта»
При проведении уроков изобразительного искусства по теме рисование
натюрморта с натуры было отмечено, что применения наглядно-методических
пособий значительно расширяет возможности художника-педагога. Современное
художественное образование сегодня невозможно представить себе без схем,
репродукций, таблиц, использования возможностей информационных технологий.
Одним
из
средств
развития
творческой
активности
детей
и
их
художественного образования мог бы стать специальный наглядный материал,
рассчитанные на разный возраст:
- картины, репродукции работ мастеров, работавших в жанре натюрморта,
- методические разработки, демонстрирующие последовательность работы над
постановкой натюрморта;
-видеоуроки, мультимедиа презентации по теме «Натюрморт»;
- лучшие детские работы, примеры выполнения детьми заданий по
изображению натюрморта с натуры.
Большую помощь на занятиях с детьми по теории изобразительного
искусства, а так же в качестве иллюстративного материала оказывают специально
подобранный наглядный материал: фотографии, рисунки, схемы, использование
слайд-фильмов.
В качестве наглядно-методического пособия по рисованию натюрморта с
натуры может быть использована творческая часть данной дипломной работы. С
ее помощью детям можно показать методику работы над постановкой
натюрморта, начиная с формирования замысла, через творческие поиски
(рисунки, наброски, этюды, эскизы) к основной работе.
За занятиях в общеобразовательной и художественной школе учащиеся могут
выполнять и учебный, и творческий натюрморты.
Использование творческого натюрморта призвано развивать творческую
фантазию, воображение, активность и самостоятельность учащихся.
53
Творческие
задания
можно
разнообразить,
включая
возможности
коллективной работы по выполнению творческого задания «Натюрморт». Так
дети на примере данного диплома могут «создать» свою галерею натюрмортов.
Таким образом, используя традиционные и новейшие, в том числе авторские
наглядно-методические пособия, учитель может добиваться максимального
эффекта на занятиях по рисованию с натуры.
В качестве учебно-методического пособия к занятиям по теме: «Натюрморт»
были подготовлены методическая разработка учебного натюрморта в технике
гуаши. Кроме того, творческий натюрморт «Натюрморт с хризантемами»,
подготовительный материал к данной творческой работе также можно
использовать в качестве методических материалов в школьной практике.
54
Выводы по III главе
1. Учебный и творческий натюрморт являются заданиями программы по
изобразительному искусству в общеобразовательной и художественных
школах. Учебный натюрморт необходим для формирования умений и навыков
в области изобразительной грамоты. Творческий натюрморт нацелен на
развитие в первую очередь художественного мышления и воображения детей,
самостоятельности и творческой активности.
2. Для проведения занятий по изобразительному искусству необходимо
использовать различные наглядно-методические пособия. Методическую
разработку по выполнению натюрморта в технике гуашевой живописи, а также
творческую работу к данной ВКР, включая весь подготовительный материал
можно
применять
в
художественной школе.
учебном
процессе
в
общеобразовательной
и
55
Заключение
В результате проведенного исследования были решены основные
поставленные в нем задачи.
Была изучены искусствоведческая литература по теме исследования.
В результате анализа истории развития натюрморта были сделаны выводы о том,
что искусство натюрморта имеет давнюю историю. Появление натюрморта в
качестве
самостоятельного
жанра
связано
с
творчеством
голландских
художников XVII в. Особое влияние на голландских художников оказали мастера
Возрождения.
В
голландском
натюрморте
проявлялось
искреннее
оптимистическое восприятие жизни, настоящее желание показать, щедрости
природы, талантливость и трудолюбие человека. Русский натюрморт прошел
суровую школу утверждения его в мире искусства. Первые известные
натюрморты принадлежат мастерам: Ф.Толстому, И.Хруцкому. Расцвет русского
натюрморта сделал известными художников Н.Сапунова, И.Грабаря, К.Коровина,
Р.Фалька. В послереволюционные годы натюрморт стал развиваться благодаря
И.Машкову, А.Лентулову, П.Кончаловскому, М.Сарьяну, К.Петрову-Водкину.
Более современных авторов представлял Ю.Пименов. Современный натюрморт
несет в себе ценности многих предшествующих поколений художников. А
изучение истории развития натюрморта необходимо и для учащихся, и для
художников-педагогов для обогащения их знаний и творческого роста.
Были проанализированы программы и учебно-методические материалы по
обучению
искусства
натюрморта.
Выяснено,
что
процессе
обучения
изобразительному искусству натюрморт занимает особое место. Натюрморты в
учебном процессе могут быть и учебными, и творческими, в зависимости от
поставленных целей и задач. В учебном натюрморте превалируют учебные
задачи, а основной целью является сам процесс освоения знаний, умений и
навыков в области изобразительного искусства на практике. Учебный натюрморт
чаще всего связан с процессом изображения постановки натюрморта с натуры.
56
При организации натурной постановки натюрморта необходимо придерживаться
определенных правил в отношении выбора предметов, их тона и цвета, подбора
фона и организации освещения. Творческие постановки выполняются в
соответствии с определенной методикой, выполняется ряд этапов: выполняются
композиционные поиски, натурные наброски, зарисовки, этюды, картон будущего
произведения, основное цвето-тоновое решение (детализация изображения,
обобщение изображения).
Учебный и творческий натюрморт выполняются с учетом колористического
решения, правил композиционного построения изображения.
В качестве творческого натюрморта к выпускной квалификационной работе
был выполнен натюрморт с хризантемами в технике гуаши.
Цель данной работы достигнута, потому что доказано, натюрморт как учебное
и творческое задание оказывает огромное влияние на развитие творческих
способностей учащихся.
В работе приведены методические рекомендации по обучению живописи
натюрморта,
а
так
же
предложена
наглядно-методическая
разработка
«Последовательность выполнения натюрморта в технике гуаши». Это позволяет
пользоваться данной работой как методическим пособием при организации
уроков изобразительного искусства в школе и средних учебных заведениях.
57
1/--страниц
Пожаловаться на содержимое документа